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jueves, 18 de diciembre de 2014

NOCHE EN EL MUSEO: EL SECRETO DEL FARAÓN, más de lo mismo en una de las películas póstumas de ROBIN WILLIAMS

FICHA TÉCNICA

Título: Noche en el museo: El secreto del faraón
Título original: Night at the Museum: Secret of the Tomb
Dirección: Shawn Levy
País: Estados Unidos
Año: 2014
Fecha de estreno: 25/12/2014
Duración: 97 min.
Género: Comedia, Familiar, Aventuras
Calificación: Apta para todos los públicos
Reparto: Ben Stiller, Rami Malek, Rebel Wilson, Robin Williams, Owen Wilson, Dick Van Dyke, Rachael Harris, Ben Kingsley, Ricky Gervais, Mickey Rooney
Distribuidora: 20th Century Fox
Productora: Twentieth Century Fox

SINOPSIS

Larry Daley (Ben Stiller), el vigilante más aventurero del Museo de Historia Natural, se da cuenta de que las figuras que cobran vida por las noches están cada vez más débiles. La magia se está perdiendo, y todo parece estar relacionado con una tablilla egipcia que pertenece a un faraón (Ben Kingsley). Larry deberá embarcarse en un viaje al otro lado del charco. En la ciudad de Londres está la solución para este grave problema. Le acompañan, como siempre, Teddy Roosevelt (Robin Williams), Sir Lancelot (Dan Stevens) y Jedediah (Owen Wilson), además de un mono bastante impertinente... Ya sabéis de quién os hablamos, ¿verdad?

CRÍTICA

Cuando fuí al cine a ver la primera entrega de esta (de momento) trilogia reconozco que me pareció un film aceptable para su público potencial (el infantil) pero cuya simple anécdota argumental se agotaba tan rápido como una cerilla al arder. Por ese motivo no ví en su momento la segunda película en cines sino que me esperé a verla por televisión (y ni siquiera en su primer pase), hecho con el cual acerté porque me encontré con más de lo mismo. Eso mismo es lo que nos encontramos en esta tercera entrega.

Este film comienza con un prólogo que puede hacernos recordar a la saga de Indiana Jones, y que se supone que nos narra el origen de la tablilla mágica que permite revivir a los objetos del museo. Tras ello se vuelve al presente con el personaje de Ben Stiller intentando controlar a todos los personajes revividos del museo en una presentación pública. A partir del lio que ocasionan nuestro protagonista se da cuenta de los cambios (de caracter) que estan sufriendo, relacionado todo con cierta oxidación que está creciendo en la tablilla mágica.

Eso sería un breve esbozo de lo que ofrece este film, que a partir de ahi se limita a trasladar al museo de Londres lo antes visto en los museos de las dos entregas precedentes. A partir de ahi hay una sucesión de gags más o menos acertados que buscan la implicación del espectador (ya que repiten casi todos los personajes de las anteriores entregas) siendo lo mejor, a mi modo de ver, el cameo de Hugh Jackman haciendo de Hugh Jackman haciendo de Lobezno (y no, no es reiterativo, es que es así) circulando el resto por un humor básico y simple acorde con las anteriores entregas.

Esta película ha sido uno de los últimos trabajos de Robin Williams, antes de su triste muerte a los 63 años, ocurrida el pasado verano. Su labor aqui se limita a repetir lo ya visto como Theodore Roosevelt en las otras películas, en un papel secundario, siendo su mejor aportación la acertada escena dentro de un cuadro que viven su personaje y el de Ben Stiller tras el de Sir Lancelot. En los créditos finales hay una dedicatoria a Williams (con el digno epitafio "magic never ends") aparte de un recuerdo a Mickey Rooney, secundario también presente aqui, y fallecido este 2014 a los 94 años.

LO MEJOR: El simpático cameo de Hugh Jackman (con un divertido guiño a su famoso Lobezno), los llamativos efectos visuales, la escena dentro del cuadro de las escaleras infinitas que comparten Ben Stiller, Dan Stevens y Robin Williams (y en referencia a este último su emotivo epitafio en los créditos finales).

LO PEOR: Es, de nuevo, una película con un humor muy simple y básico que funcionará con el espectador en la medida en que entre dentro de lo que le plantea la historia (el problema estaría en lo esquemático y previsible de la misma) Además se supone que con este film cierran trilogia, aunque tal como acaba de aqui igual hasta se sacan un spin-off con la guarda de seguridad del museo londinense.


martes, 16 de diciembre de 2014

EL HOBBIT: LA BATALLA DE LOS CINCO EJÉRCITOS, el viaje ¿final? a la TIERRA MEDIA para cerrar una innecesariamente alargada trilogia

FICHA TÉCNICA

Título: El Hobbit: La batalla de los cinco ejércitos
Título original: The Hobbit: The Battle of the Five Armies
Dirección: Peter Jackson
País: Estados Unidos
Año: 2014
Fecha de estreno: 17/12/2014
Duración: 144 min.
Género: Aventuras, Fantástico
Reparto: John Bell, Lee Pace, Martin Freeman, Benedict Cumberbatch, Luke Evans, Orlando Bloom, Cate Blanchett, Richard Armitage, Hugo Weaving, Manu Bennett
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), New Line Cinema, WingNut Films, 3Foot7

SINOPSIS

La trilogía de "El Hobbit", precuela de "El señor de los anillos", llega a su fin con "La batalla de los cinco ejércitos". En esta ocasión, Thorin (Richard Armitage), consumido por la obsesión de reclamar su tesoro, sacrifica la amistad y el honor para conseguirlo mientras los frenéticos intentos de Bilbo (Martin Freeman) por hacerle entrar en razón llevan al Hobbit a tomar una decisión arriesgada y peligrosa; pero las amenazas que les esperan son aún mayores. Sauron, el mayor adversario de todos, ha enviado legiones de orcos a un ataque furtivo en la Montaña Solitaria sin que nadie se entere, salvo el mago Gandalf (Ian McKellen).

CRÍTICA

Cuando se estrenó la trilogia original de El Señor de los Anillos para mí fue todo un revulsivo de como hacer un muy buen cine fantástico apto para todos los públicos. Incluso cuando más tarde me leí los libros alabé aún más el trabajo de Peter Jackson, ya que tengo que reconocer que la prosa de Tolkien me resultó tan cansina que tardé tres meses en leerme tres libros que se pueden leer en tres semanas. Cuando se puso en marcha la precuela de El Hobbit muchos deseamos que fuera el propio Jackson quien la llevara a cabo, pero visto lo visto queda la duda de lo que hubiera hecho otro director.

Guillermo del Toro, que consta en los títulos de crédito de esta trilogia, fue quien primero se tenía que haber hecho cargo de esta precuela, cuando en origen se pensaba en una película o a lo sumo dos. Cabe pensar que hubiera realizado en tal caso, porque lo que Jackson ha hecho es un mero entretenimiento que (valorado ahora en su conjunto) resulta EXCESIVO de duración, sobrando tiempo por todas partes con el que se ha rellenado también esta tercera entrega. Ello repercute en una épica forzada, evidente en unas batallas excesivas que rozan lo inverosimil (algo evidente en su tramo final, sobretodo con un Legolas que parece más que nunca un personaje de videojuego)

Uno de los fallos que arrastra El Hobbit desde sus inicios es una clara falta de empatía hacia los personajes, algo que no sucedía en El Señor de los Anillos donde incluso los secundarios importaban (de los que repiten destacaría el cambio que sufre el personaje de Cate Blanchett cuando se enfrenta a Sauron, apenas un momento pero muy espeluznante, sirviendo para mostrar como hubiera sido ella si se hubiera dejado corromper por el poder del Anillo Único) Por lo demás esta sexta entrega de la franquicia gustará en proporción a como lo hayan hecho los capítulos previos.

El mayor problema por el que circulaba esta película era dar cumplido engarce a la trilogía original, algo que se resuelve de manera correcta, si bien la mención que se hace al final de Aragorn resulta un tanto forzada (más acertado sin duda es el cameo final de Ian Holm, que sirve para cerrar la trilogia de El Hobbit) Otro que vuelve a asomarse aqui es Saruman (a cargo de Christopher Lee), que tendrá una escena de lucha tan improbable como las que mantenía el citado actor siendo el Conde Dooku en la segunda trilogia de Star Wars.

El mayor acierto que ha tenido esta precuela ha sido elegir a Martin Freeman (el Watson de la serie Sherlock) como Bilbo Bolsón, por lo que resulta torpe no aprovecharse de tan buen actor, ya que si el personaje quedaba relegado a secundario simple en La desolación de Smaug, otro tanto ocurre aqui. Y ya que lo cito, y teniendo en cuenta que en las dos películas previas parecía que lo mostraban como se había hecho con Gollum en la trilogia original, resulta bastante simple la manera en la que se pulen el tema del dragón Smaug (que manera de desaprovechar para apenas rellenar un momento a otro buen actor como Benedict Cumberbatch)

LO MEJOR: Este tercer capítulo de El Hobbit reitera lo ESPECTACULAR de los previos, siendo al mismo tiempo coherente con la trilogía original (sobretodo a nivel visual), lo que la convierte en sin duda alguna un muy buen entretenimiento (pese a las licencias que se toman con la obra original de Tolkien para rellenar metraje de manera forzada)

LO PEOR: Esta precuela tenía que haber sido UN ÚNICO film de tres horas, puede que incluso menos, ya que la valoración global es que estamos ante una obra EXCESIVA sobretodo por todo el relleno forzado que le han metido (por ejemplo todo lo referente a la elfa Tauriel) para hacerla parecer similar, innecesariamente, con la trilogía de El Señor de los Anillos, lo que lastra sin remedio a las tres entregas de El Hobbit, tanto por separado como en su conjunto.

EL FUTURO: Aunque no hay ninguna intención (de momento) de continuar con esta saga, me gustaría recordar que James MacAvoy (el Charles Xavier del reboot de los X-Men, y que estuvo a punto de ser Bilbo en esta trilogia) expresó su interés de ser un joven Gandalf si se adaptara el Silmarilion, otra de las obras de Tolkien. A mi no me desagrada (aunque pinta a dificil y poco probable) pero POR FAVOR, trilogia NO, que es tan solo una única novela.


lunes, 15 de diciembre de 2014

BIG HERO 6, aceptable primer fruto de la unión DISNEY-MARVEL

FICHA TÉCNICA

Título: Big Hero 6
Título original: Big Hero 6
Dirección: Chris Williams
País: Estados Unidos
Año: 2014
Fecha de estreno: 19/12/2014
Duración: 102 min.
Género: Comedia, Animación, Acción
Calificación: Apta para todos los públicos
Reparto: Jamie Chung, Maya Rudolph, T.J. Miller, Genesis Rodriguez, Damon Wayans Jr., Alan Tudyk, James Cromwell, Daniel Henney, Scott Adsit, Marcella Lentz-Pope
Distribuidora: Walt Disney Pictures
Productora: Walt Disney Pictures, Walt Disney Animation Studios, Marvel Studios

SINOPSIS

Aventura de comedia y acción sobre Hiro Hamada, un brillante prodigio de la robótica que se encuentra atrapado en una trama criminal que amenaza con destruir la apresurada y tecnológica ciudad de San Fransokyo. Con la ayuda de su compañero más cercano – un robot llamado Baymax – Hiro une fuerzas con un reacio equipo de primerizos luchadores contra el crimen en una misión para salvar su ciudad.

CRÍTICA

Con el presente título nos encontramos el primer fruto de la absorción que hizo Disney de Marvel el pasado 2009. Basado en un comic de los años noventa que no me suena para nada, tenía curiosidad por ver el resultado de Big Hero 6, ya que sin duda es el punto de partida para futuros proyectos que mezclen lo mejor (¡eso espero!) de ambos mundos. Pero aunque el resultado global funcione (nadie puede negarle que no sea entretenida), por separado se queda a medio gas, ya que no acaba siendo algo ni Marvel ni Disney sino... otra cosa.

Por la parte Marveliana el mayor acierto es sin duda el cameo de Stan Lee, que no me esperaba y que es más desarrollado en la escena trás los créditos finales (¡no os la perdais, es de lo mejor del film!) mientras que el tono Disney más emotivo estaría sin duda en Baymax, ese robot asistente que resulta tan entrañable como en su momento lo fue Wall-E. Lo malo es que entremedio se nos cruza una historia de superhéroes que no acaba de ser del estilo al que Marvel nos ha acostumbrado en cines, pero tampoco es un típico producto Disney prefabricado (descolocando las expectativas predeterminadas)

Las aspiraciones de Big Hero 6 parecen estar orientadas hacia el muy rentable mercado oriental, algo evidente tanto en esa futurista ciudad que mezcla San Francisco y Tokio, como en el nombre del protagonista (Hiro Hamada) pero no habría que extrañarse por ello ya que Disney lleva intentándolo desde la época de Mulan. De hecho se podría decir que hay cierto tono de anime en este título, que puede rememorar incluso al de un clásico como Akira, si bien la excelente pelea de robots inicial recuerda a Acero Puro con Hugh Jackman.

Pero Disney no es Pixar (como se ha demostrado en otros casos) y aunque nadie le niega un aspecto visual espectacular, la historia peca de un frenético desarrollo que apenas esboza a los personajes que rodean a Hiro y Baymax, algo a lamentar en el caso del villano (que hay que reconocer que luce de manera espectacular) Algunos la han comparado, de manera poco afortunada, con Los Increibles, pero el film de Pixar formaba un conjunto más afortunado, pese a no tener base previa, sino que tomando elementos ajenos (tanto de Marvel como de DC)

LO MEJOR: El entrañable Baymax, si bien en todo momento se nota una jugada para intentar crear un personaje que cale tan hondo como lo hizo Wall-E en 2008. Y el cameo de Stan Lee, primero ojo avizor para quien lo pille, pero que luego es desarrollado en la escena tras los créditos (sin olvidar que en su conjunto estamos ante una película muy entretenida)

LO PEOR: Siendo una mezcla de Disney y Marvel no acaba siendo ni la típica película de los primeros ni el estilo al que nos han acostumbrado los films de los segundos (pese al cameo citado antes), por lo que puede dejar un poco descolocado al espectador que vaya con ideas preconcebidas.


domingo, 7 de diciembre de 2014

BYZANTIUM, historia de dos vampiresas (la sexy y la filósofa)

FICHA TÉCNICA

Título: Byzantium
Título original: Byzantium
Dirección: Neil Jordan
País: Reino Unido, Estados Unidos, Irlanda
Año: 2012
Fecha de estreno: 21/03/2014
Duración: 118 min
Género: Drama, Terror, Fantástico
Calificación: No recomendada para menores de 12 años
Reparto: Saoirse Ronan, Gemma Arterton, Sam Riley, Jonny Lee Miller, Caleb Landry Jones, Daniel Mays, Thure Lindhardt, Gabriela Marcinkova
Distribuidora: A Contracorriente Films
Productora: Parallel Film Productions, Number 9 Films, Lipsync Productions, Irish Film Board, Demarest Films

SINOPSIS 

Dos mujeres misteriosas buscan refugio en un pequeño lugar de la costa. Clara (Gemma Arterton) conoce al solitario Noel (Daniel Mays), que le proporciona un techo bajo el que dormir en su modesto motel, llamado Byzantium. Por su parte, la joven estudiante Eleanor (Saoirse Ronan) se hace amiga de Frank (Caleb Landry Jones) y le revela un terrible secreto que hasta ahora había permanecido oculto en su corazón. Dicha revelación conllevará unas consecuencias inesperadas y dramáticas para todos los personajes implicados.

CRÍTICA

Recupero uno de los estrenos que hubo este casi acabado 2014, que además llegó a la cartelera dos años más tarde de su realización (lo que motivó, como siempre, una distribución mínima que la dejó ausente de las pantallas más cercanas a mi casa, cuando llegó a los cines de Barcelona el pasado mes de marzo) Su mala suerte a la hora de su exhibición supongo que tiene mucho que ver con su tremendo fiasco cuando fue estrenada, pese a su plantel artístico o su temática (que lo mismo da para una obra maestra como el Drácula de Coppola que para los vampiros luminosos de la ñoña saga Crepúsculo)

Aparte de la labor tras las cámaras de Neil Jordan (que hace dos décadas nos ofreció Entrevista con el vampiro) y de que en el reparto esté Jonny Lee Miller (el Sherlock Holmes de la serie de televisión Elementary) el peso de la película recae en el duo formado por Gemma Arterton y Saoirse Ronan, madre e hija en la ficción que llevan viviendo muchos siglos en su condición de vampiras. Ellas dos se ven obligadas a estar siempre huyendo como proscritas, debido a que no se aceptan mujeres en la congregación vampira de esta película (lo que permite una loable crítica sobre el machismo imperante en la sociedad)

Aunque muchos no se recuerden por su plantel masculino, el film que he citado antes de Neil Jordan (Entrevista con el vampiro) dotaba a la entonces joven Kirsten Dunst de un papel interesante: una niña vampiro cuya inmortalidad quedaba anclada en su joven edad, privándole de la feminidad que le hubiera otorgado su traspaso de la adolescencia, aunque su mente si madure a la de una mujer adulta. En el caso que nos ocupa al personaje de Saoirse Ronan le ocurre algo similar, si bien tiene la ventaja de que el reloj de la vida se paró para ella a los 16 años.

Hay que recordar otro título mítico en la carrera del director de Byzantium (En compañia de lobos) para justificar cierto guiño de Caperucita Roja que hay en el aspecto de la enigmática adolescente a la que encarna (con cierta apatía) la joven Saoirse Ronan, ya que ella sería la narradora principal de esta historia (lo que resulta una lástima hacia la sensual y sexual vampiresa a la que encarna Gemma Arterton) La citada apatia se traslada al relato, de tal forma que sus casi dos horas de metraje podían haberse quedado en unos 90 o 100 minutos a lo sumo, si bien la buena labor del director consigue dotar de un aceptable entretenimiento a la película, pese a tratar un tema tan sobado como el de los vampiros.

LO MEJOR: Es un digno y adulto relato sobre el tema vampírico, que huye de las simplezas actuales puestas de moda por los chupansangres la saga Crepúsculo (y además nos obsequía con la belleza y sensualidad de Gemma Arterton, notable en su papel de vampiresa sexy)

LO PEOR: En algunos momentos la apatia del personaje de Saoirse Ronan se suma al de la película, que recortada en la sala de montaje hubiera ganado más ritmo.

LA CURIOSIDAD (y relativos spoilers): Ingenioso el detalle del relato que sustituye los colmillos típicos de los vampiros por su ¿uña extensible?, y un tanto desconcertante el de la cascada que una vez ¿activada? es de sangre.


lunes, 1 de diciembre de 2014

EXODUS: DIOSES Y REYES, epopeya bíblica que vence pero no convence

FICHA TÉCNICA

Título: Exodus: Dioses y reyes
Título original: Exodus: Gods and Kings
Dirección: Ridley Scott
País: Reino Unido, Estados Unidos
Año: 2014
Fecha de estreno: 05/12/2014
Duración: 150 min.
Género: Drama, Histórico
Reparto: Christian Bale, Joel Edgerton, Sigourney Weaver, Aaron Paul, Ben Kingsley, John Turturro, Indira Varma, Ben Mendelsohn, María Valverde, Emun Elliott
Distribuidora: 20th Century Fox
Productora: Scott Free Productions, Chernin Entertainment, Babieka

SINOPSIS

Moisés (Christian Bale) fue un personaje bíblico que lideró a los israelitas que abandonaron Egipto y atravesaron el desierto camino al Monte Sinaí. Allí debía establecerse una alianza con Dios mediante la cual su pueblo tendría un nuevo territorio donde construir su futuro: Canaán. Pero cuando los israelitas se enteran de que su nueva tierra está infestada de gigantes, se niegan a continuar... provocando la ira del Altísimo. Esta es la historia que cuenta la Biblia, pero Ridley Scott hace su propia adaptación en esta carísima súper producción de Hollywood.

CRÍTICA

Si asumimos la falta de imaginación en Hollywood para idear nuevas historias, no deja de tener su lógica que cada equis tiempo se vayan reversionando las mismas. En este caso nos encontramos ante un relato bíblico muy conocido del que ya ha habido versiones previas, siendo sin duda mítica la de 1956 de Cecil B.DeMille con un excelente Charlton Heston como Moisés. Coindiendo en el mismo año en que Darren Aronofsky nos ha traido su particular versión del Arca de Noé, la duda está en la labor de Ridley Scott, director con títulos míticos de la historia del cine, pero también con significativos errores bastante olvidables.

En el caso que nos ocupa tildarlo de fallo sería injusto, pero sin duda que también se erraría si se la compara (y equipara) con títulos más acertados en la carrera del director (y aqui lo justo sería sacar a colación sus dos clásicos instantáneos, Alien y Blade Runner, aunque esta Exodus se queda incluso a distancia de títulos más discutibles en la carrera de Scott, caso de por ejemplo Hannibal) La mejor comparación estaría con Gladiator, también de Ridley Scott, donde vemos que funciona mejor el triángulo inicial que se plantea, similar al del presente título.

Y es que esta Exodus no empieza desde el inicio (no veremos por tanto la típica escena del bebé Moises en una cesta por el rio) sino que ya nos situa en un Egipto donde el enfermo faraón al que encarna John Turturro ve con mejores ojos para el futuro a su hijo adoptado Moises que a su hijo natural Ramses. A eso me refería al compararla con Gladiator, ya que allí se establecía un triángulo similar entre los personajes a cargo de Russell Crowe, Joaquin Phoenix y Richard Harris (solo que mejor resuelto en la película del 2000 que en esta)

Una de las polémicas que arrastra Exodus es su plantel de actores, donde NINGUNO es egipcio siendo una película situada en el citado pais. Scott se ha defendido argumentando que sino no podría haber conseguido la financiación para llevar a cabo esta película, aunque también comentó que Egipto fue una confluencia de culturas, lo que justificaba las diferentes etnias del reparto. Digan lo que digan basta con ver a Bale para ver al personaje fagocitado por el actor, siendo dificil que nos creamos a su Moises, por más que nos metan en el tramo final lo de los Diez Mandamientos y el Arca de la Alianza.

No es el de Bale el único caso, ya que también circulan por el reparto Ben Kingsley, Sigourney Weaver o John Turturro en similar situación, pero sus personajes son más secundarios o de menor calado dramático. Queda la duda de imaginar que hubiera pasado si Ridley Scott se hubiera arriesgado como hizo Mel Gibson con Apocalypto, decantándose por actores del pais para dar una mayor credibilidad al relato. Eso si, hay que admitir lo curioso de la visión de Dios como un niño enojado y vengativo, así como la visualización de las plagas que lanza contra Egipto (si bien uno está curtido de cine catastrófico y tampoco consiguen ser tan impactantes como pretenden)

LO MEJOR: No aburre, lo cual tiene mérito siendo una historia TAN conocida, y su cuidada ambientación está muy lograda, situándonos sin problema en el Egipto de los faraones. Además el tema de las famosas plagas acierta al mostrarlas en toda su espectacularidad, aunque un poco carentes de impacto para el espectador curtido en cine catastrófico con todo tipo de desgracias.

LO PEOR: Es rutinaria, demasiado solemne, logicamente previsible y no llega a emocionar al espectador como debería (en parte por unos actores correctos pero que se notan fuera de lugar, con la única y relativa excepción de Joel Edgerton como Ramses, el más salvable del conjunto)

EL DETALLE: El director Ridley Scott le ha dedicado la película a su difunto hermano Tony, siendo más emotivo esa frase al final que muchos de los momentos que nos han ofrecido antes.

LA DECEPCIÓN: ¿Quien no recuerda la separación del Mar Rojo que Moises provoca para facilitar la huida de su pueblo del malvado Faraón? Pues bien, pudiendo con los medios actuales lucirse de manera espectacular, el resultado me decepcionó al haber olas más gigantes en Interstellar (quienes la haya visto sabrán a lo que me refiero) que lo que hay aqui.

LA DUDA: En algunas crónicas he leído que se han decantado por una versión del bíblico Moises más realista, por lo que sus "conversaciones" con Dios serían más bien las de un esquizofrénico y su supuesta separación del Mar Rojo una simple conjunción de mareas. De ser entonces de esa manera la historia ya pierde todo su mérito.


viernes, 28 de noviembre de 2014

MORTADELO Y FILEMÓN CONTRA JIMMY EL CACHONDO, notable adaptación de los clásicos personajes de FRANCISCO IBAÑEZ

FICHA TÉCNICA

Título: Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo
Título original: Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo
Dirección: Javier Fesser
País: España
Año: 2014
Fecha de estreno: 28/11/2014
Duración: 90 min
Género: Comedia, Animación
Calificación: No recomendada para menores de 7 años
Reparto: Karra Elejalde, Janfri Topera, Pepe Viyuela, Eduard Soto
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: Televisión Española (TVE), Canal+ España, TV3, Zeta Audiovisual

SINOPSIS

Los agentes Mortadelo y Filemón (Karra Elejalde y Janfri Topera) se ven obligados a hacer uso de toda su inoperancia para seguir sin resolver nada y sembrar el caos allá donde van. En esta ocasión, su inexistente capacidad será puesta a prueba sin éxito ninguno para dar con el paradero de Jimmy el Cachondo, un acomplejado maleante que tampoco despunta por su elevado coeficiente intelectual, pero que tiene su gracia. Su gracia es que lleva colgando en su helicóptero una bombita de neutrones picantes que pueden hacer ¡PUM! en cualquier momento.

Todo esto mientras Mortadelo y Filemón esconden en su propia casa a un testigo protegido peligrosísimo del que ellos mismos se tendrán que proteger si no quieren que la película se acorte drásticamente y termine antes de tiempo.

CRÍTICA

Con la moda actual de adaptaciones de comics en acción real parecía mentira que España no pudiera tirar de su amplísima cartera de personajes, muchos de ellos asociados a la extinta Editorial Bruguera. Pero ¡AY! se falla pensando que todos pueden ser adaptables, cuando muchos han hecho de la caricatura su seña de identidad, lo que puede explicar la disparidad de críterios que encontró en 2003 Javier Fesser cuando nos trajo La gran aventura de Mortadelo y Filemón, una película con buenas intenciones pero aciertos parciales, trasladando con mayor o menor acierto las viñetas a la acción real.

Miguel Bardem tomó el relevo a Fesser, estrenando en 2008 una secuela donde se reiteraba sobre lo ya visto mientras que se erraba en el elenco principal (en mi humilde opinión quedó más acertado como Mortadelo el Benito Pocino del film de Fesser que el Eduard Soto de Mortadelo y Filemón: Misión salvar la Tierra) Aún así hubo disparidad de opiniones, y es que son personajes MUY caricaturescos, rozando ambas películas en algunos momentos el absurdo y la delgada línea de la vergüenza ajena (algo similar a las adaptaciones de Asterix con Gerard Depardieu como Obelix)

Pero unos personajes TAN clásicos como Mortadelo y Filemón no podían quedarse en tan solo en eso, por lo que de nuevo de las manos de Javier Fesser nos llega su tercera aventura en la gran pantalla, pero la primera en la que los vemos como siempre los imaginamos: en un film de animación digital, donde poder dar rienda suelta a su particular universo y en donde el único límite lo marca la imaginación, consiguiendo de esa manera mantener la esencia del mítico duo de agentes obra de Francisco Ibañez, un clásico del comic patrio a la altura de los superhéroes de Marvel y DC.

Pese a basarse en un guión propio (sin adaptar ninguna de las muchas andanzas que han vivido estos personajes en su ya más de 50 años de vida) se nota el gran respeto de los responsables de este film hacia la labor de Ibañez, de tal manera que es facil admitir que estamos ante la MEJOR adaptación que se ha visto de Mortadelo y Filemón (superando Fesser incluso su anterior aproximación en acción real de 2003) con un montón de guiños de todo tipo a lo largo de sus 90 minutos de metraje (e incluso el cameo de otro famoso personaje del mismo autor: el cegato de Rompetechos)

Entre las múltiples referencias de la película destacaría la de su prólogo, con Filemón cual si fuera una especie de James Bond con incluso el guiño de usar en ese momento la voz de Ramón Langa, el doblador en España de Bruce Willis. Eso si, que nadie se lleve a error con ese inicio porque bien pronto vamos a lo típico de este par de sujetos, con toda una galería de humor absurdo, grueso y frenético cual dibujo de Tex Avery, siendo cierto abuso del mismo durante su tramo final el único pero achacable a esta notable adaptación del clásico de Ibáñez.

LO MEJOR: Es un total acierto de adaptación para los bruguerianos realmente exigentes, conservando la esencia de la obra de Ibáñez, pero trasladándola a un nuevo nivel mediante una animación virtuosa en la que se sabe imprimir el particular universo en el que se mueven este duo.

LO PEOR: Cierto frenesí en el tramo final, aparte del tono argentino del villano que puede acabar siendo un poco cansino.

LAS REFERENCIAS: Innumerables hasta el punto de que requeriría más de un visionado para no dejar escapar ninguna, pero aparte de la que he citado del prólogo también es muy jocosa la relacionada con el programa Gran Hermano.

viernes, 21 de noviembre de 2014

LOS JUEGOS DEL HAMBRE: SINSAJO PARTE 1, un capítulo intermedio

FICHA TÉCNICA

Título: Los Juegos del Hambre: Sinsajo - Parte 1
Título original: The Hunger Games: Mockingjay - Part 1
Dirección: Francis Lawrence
País: Estados Unidos
Año: 2014
Fecha de estreno: 21/11/2014
Duración: 125 min
Género: Aventuras
Calificación: No recomendada para menores de 12 años
Reparto: Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Woody Harrelson, Robert Knepper, Sam Claflin, Julianne Moore, Lily Rabe, Evan Ross, Philip Seymour Hoffman
Distribuidora: eOne Films
Productora: Lionsgate, Color Force

SINOPSIS

Después de haber destrozado -literalmente- los Juegos del Hambre para siempre, Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence) se encuenta en el Distrito 13. Bajo el liderazgo de la presidenta Alma Coin (Julianne Moore) y siguiendo a rajatabla las advertencias de los amigos en quien confía, Katniss expande sus alas al tiempo que lucha por salvar a su amigo Peeta (Josh Hutcherson) y, con él, a una nación absolutamente conmovida por su coraje y determinación.

CRÍTICA

Mal vamos en la actual década a nivel de cine desde que la saga de Harry Potter decidió dividir la adaptación de su último libro en dos películas: eso nos ha llevado a que otros imiten el ejemplo (los de la Saga Crepúsculo) o que ya directamente estiren a tres películas lo que debería haber sido una (caso de El Hobbit) No será lo único, porque incluso Los Vengadores 3 estará dividido en dos films (a estrenar en 2018 y 2019) por lo que con la avaricia habitual, la franquicia de Los juegos del hambre se suma a la citada moda con esta primera entrega de un cierre que verá la luz a finales de 2015.

A lo antes citado hay que añadir que la trilogia literaria, al menos para el que firma esto, es una buena historia al inicio pero que va perdiendo fuelle, siendo esto más visible en el tercer libro (por lo que alargar la cosa para que tengamos dos películas puede haber sido un error) Pero pese a que no negaré que estamos ante el eslabón más debil de la franquicia (de momento) al menos hay que reconocer que cumple con las dosis mínimas de entretenimiento, si bien en todo momento está presente la sensación de dilatación, creo que evidente aunque no se conozca la base literaria (y comparando con los anteriores films)

Como preámbulo de lo que está por venir en su última entrega, a esta primera parte de Sinsajo hay que reconocer que le falta quizás algo de acción, centrándose más en todo el tema propagandístico político entre el Capitolio y los rebeldes del Distrito 13. Eso sirve para ver como se pueden manejar a las masas desde las más altas instancias (evidente en el primer anuncio de Katniss, donde el croma da paso a las imágenes de propaganda deseadas) pero aunque acierta en general, tan solo da unos breves esbozos del mensaje del libro, claramente antibelicista (algo que supongo que estará en su final)

Jennifer Lawrence sostiene de manera muy acertada el peso del film, demostrando que es quien mejor podía encarnar a Katniss Everdeen, algo evidente en esta primera parte cuando vemos como se tiene que concienciar del tono dictatorial del Presidente Snow (Donald Sutherland) siendo el tramo del hospital de heridos el que mejor funciona en ese sentido. Se acoplan muy bien a la historia dentro de un tono más secundario las labores del fallecido Phillip Seymour Hoffman (a quien está dedicado esta entrega) así como una siempre cumplidora Julianne Moore (como la Presidenta Alma Coin)

Repiten de nuevo en esta entrega Haymitch (Woody Harrelson) y Effie (Elizabeth Banks) siendo más destacable la labor de ella (que se tiene que ver sin los lujos del Capitolio) que la de él (ya que aqui no tiene que ser mentor como ocurría en las entregas anteriores) Sin solapar al relato, pero presente en el mismo, también volvemos a ver a los jóvenes Gale (Liam Hemsworth) y Peeta (Josh Hutcherson) como los dos puntos de interés romántico para Katniss, siendo más interesante el segundo por la manipulación propagandística (e incluso mental) a la que es sometido.

De todas maneras esta primera entrega de Sinsajo es deudora no solo de lo previo, sino de lo posterior, de tal manera que obliga a conocer las películas anteriores, no funcionando de manera autónoma como ocurría en la saga Harry Potter, más allá del conjunto (la amenaza de Voldemort) que conforma toda la franquicia. El cliffhanger final, pese a estar usado de manera correcta, tendría que haberse obviado (ya lo tenía Los juegos del hambre: En llamas) para decantarse por un único film para cerrar la historia, aunque el mismo hubiera rondado las tres horas.

LO MEJOR: Sin lugar a dudas su protagonista (Jennifer Lawrence), arropada por un plantel de secundarios que cumple con corrección. Asimismo la novedad sobre el esquema de las dos primeras (más centradas en los juegos que dan título a la serie), así como el punto acertado en el que se corta esta primera parte (dentro de lo malo de decantarse por esa opción)

LO PEOR: Dividir Sinsajo en dos partes, algo innecesario y que convierte al presente film en deudor tanto de lo previo como de lo posterior para su correcto disfrute (al igual que en el final de la saga Harry Potter uno se queda con la sensación de que todo esto es un simple preámbulo a lo que vendrá)

LA ANÉCDOTA: A la sesión a la que asistí había un montón de chicas jóvenes, que supongo que simpatizan con Katniss, la protagonista de la saga. Pese al lógico follón que uno podría asociar cuando los jóvenes van en grupo, hubo un respetuoso silencio durante la película que derivó nada más acabar en pequeños grupúsculos donde me imagino que valorarían lo visto y lo que está por venir (lo que me recordó una situación similar que viví cuando el estreno del segundo film de la franquicia Potter)

LA CURIOSIDAD: En su traducción al catalán el tercer libro de la trilogia se titula L'ocell de la revolta por lo que me queda la curiosidad de en el futuro ver la presente entrega en el citado idioma, para ver como cubren la papeleta (hasta el título original, Mockingjay, es más conciso y breve).

EL FUTURO: Quedan actualmente en circulación dos sagas de distopias juveniles: Divergente (que estrenará la próxima primavera su secuela Insurgente) y El corredor del laberinto (que tendrá su continuación el próximo septiembre) Al estar ambos casos basados en trilogias literarias, ¿nos apostamos algo a que si la suerte en taquilla les acompaña dividirán su final en dos partes como el presente caso o los ejemplos antes citados?


lunes, 3 de noviembre de 2014

INTERSTELLAR, pretenciosa epopeya galáctica de CHRISTOPHER NOLAN

FICHA TÉCNICA

Título: Interstellar
Título original: Interstellar
Dirección: Christopher Nolan
País: Reino Unido, Estados Unidos
Año: 2014
Fecha de estreno: 07/11/2014
Duración: 169 min.
Género: Ciencia ficción
Reparto: Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Jessica Chastain, Michael Caine, Casey Affleck, Ellen Burstyn, John Lithgow, Bill Irwin, Topher Grace, Wes Bentley
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: Paramount Pictures, Lynda Obst Productions, Syncopy, Warner Bros. Entertainment

SINOPSIS

Un grupo de exploradores galácticos se embarcan en la misión más ambiciosa de la historia de la humanidad. El objetivo es aprovechar un agujero de gusano recién descubierto para superar las enormes distancias que se realizan en los viajes interestelares. Esta decisión les conducirá a protagonizar una aventura espacial para que la que, probablemente, ni siquiera ellos estén todavía preparados.

CRÍTICA

Tras ser elevado a los altares por su trilogía sobre Batman, Interstellar supone la primera película de Christopher Nolan tras su etapa con el Caballero Oscuro de Gotham, por lo que las expectativas estaban altas para esta ambiciosa epopeya espacial que muchos equiparan a todo un clásico de la ciencia-ficción como es el 2001: odisea en el espacio de Stanley Kubrick. Con un guión a cargo de los hermanos Nolan (Christopher y Jonathan) el primero dirige su ya novena película recuperando un proyecto que tuvo Steven Spielberg basado en una historia del físico Kip Thorne sobre la viabilidad de los agujeros de gusano para viajar en el tiempo (tema a priori muy interesante tal y como lo plantea la sinopsis de este film, en la búsqueda de un nuevo planeta para sustituir a la extinta Tierra)

Pero permitirme un pequeño paréntesis: en 1997 Matthew McConaughey (protagonista del presente título) intervino en el film de ciencia-ficción Contact que tenía de protagonista a Jodie Foster y tras las cámaras a Robert Zemeckis. ¿Por qué saco este dato a colación? porque al final esta Interstellar de Christopher Nolan podría ser una variante de esa Contact (con la coincidencia de compartir al citado actor) que a finales del pasado siglo ponía en imágenes la obra original de Carl Sagan (amigo y colega del antes citado Thorne), pecando en ambos casos de un tramo final dilatado y pretencioso que en esta Interstellar supone el enésimo ejemplo del sacrificio que hacen los padres por los hijos (y viceversa)

He leído algunos comentarios previos del presente film que lo comparan con la reciente Gravity, pero matizando que lo que en la película de Cuarón era tan solo un preámbulo, en esta Interstellar se desborda en toda su plenitud. No voy a negar la gran belleza de algunas de las imágenes espaciales de la película de Nolan (¿Oscar seguro a los mejores efectos visuales de 2014?), pero donde Gravity mostraba una concisión digna de mérito (de ahi sus excelentes 90 minutos), el film de Nolan se alarga hasta unos excesivos 169 minutos, que cansan desde el momento (en su tramo final) en que queda explicado lo del "fantasma de la librería", en un delirio de grandeza que estusiasmará a los fans del director, y que podría ser "paralelo" al recurso que utilizaba Contact en su tramo final.

El reparto en su conjunto es correcto para las pretensiones de la película, y no me extrañaría que caiga alguna nominación a los Oscars en ese apartado (sobretodo para Matthew McConaughey o Jessica Chastain) con la sorpresa de cierto cameo de un conocido actor en el papel de superviviente de una de las misiones previas. También es llamativo el robot que va con los humanos en su periplo interespacial, que se aleja de ejemplos previos para convertirse en algo similar a la pieza larga del Tetris. Pero como he indicado, es en ese tono pretencioso (elevado en su recta final a la enésima potencia) donde peca más esta Interstellar, sin llegar a ser lo magistral que desesperadamente busca ser (sin tampoco resultar desdeñable)

LO MEJOR: Su apartado visual, con escenas que le pueden garantizar casi de manera segura premio a sus efectos visuales. Asimismo el planteamiento inicial sobre cual es el planeta que le dejamos a las próximas generaciones. Dentro del reparto (correcto en líneas generales) me gustaría destacar el cameo citado en mi crítica, el cual no me esperaba. También citaría el tramo final en Saturno, que puede recordar a los escenarios oníricos de Origen (Inception), film previo de Nolan.

LO PEOR: Es demasiado larga y peca desde el primer momento de cierto tono pretencioso, buscando desesperadamente que nos hagamos a la idea de que estamos ante un clásico de la ciencia-ficción funcionando al final el conjunto porque de la acumulación de ideas que plantea, alguna llega a fructificar (lástima de algunas interesantes que pierde por el camino)

miércoles, 29 de octubre de 2014

[·REC] 4: APOCALIPSIS, ¿punto final? más bien un punto y aparte

FICHA TÉCNICA

Título: [•REC] 4: Apocalipsis
Año: 2014
Duración: 95 min.
País: España
Director: Jaume Balagueró
Guión: Jaume Balagueró, Manu Díez
Música: Arnau Bataller
Fotografía: Pablo Rosso
Reparto: Manuela Velasco, Héctor Colomé, Mariano Venancio, Críspulo Cabezas, Paco Manzanedo, Emilio Buale, Ismael Fritschi, María Alfonsa Rosso, Carlos Zabala, Khaled Kouka, Paco Obregón, Javier Laorden, Cristian Aquino
Productora: Filmax
Género: Terror | Zombis. Secuela

SINOPSIS

Ángela Vidal, la única superviviente de una terrible infección, es evacuada de un edificio. Sin embargo, a pesar de que la situación parece estar controlada, el caos vuelve a desatarse y la semilla del mal renace adoptando nuevas y terribles formas.

CRÍTICA

Es curioso el éxito que obtuvo el primer REC en 2007, que ha llevado hasta la presente cuarta entrega, en inicio capítulo final pero me imagino que, como siempre y dependiendo del éxito, no sea la última vez que sepamos de esta franquicia (sirva de ejemplo en el cine español el popular Torrente, cuya quinta entrega esta funcionando lo bastante bien como para no descartar una sexta dentro de unos años) En este caso el animal final deja las puertas abiertas a más continuaciones, si bien en las mismas ya no creo que intervenga el equipo original, cuyas tramas se pueden considerar ¿cerradas? (aunque se me hizo prescindible la escena final en el taxi)

Y es que tras el paréntesis de [Rec] 3, de nuevo volvemos a tener de protagonista a Manuela Velasco, algo que me hizo dudar respecto a lo que su Ángela Vidal soportó en la segunda película (recordando aquello pensé que aqui la cosa tiraría hacía algo como lo de la Ripley de Alien 3) Ahi puede estar el mayor defecto de la historia, porque cuando se explica lo que se tiene que explicar, al final estamos ante una justificación que decepcionará a los más puristas, ya que (como era lógico suponer) la novedad y el estilo con el que empezó la saga ha derivado más bien al terreno del blockbuster (no resulta muy dificil emparentar a esta secuela con la franquicia Resident Evil).

El ambiente opresivo y claustrofóbico del Zaratustra (el barco donde acontece toda la acción) se nota que viene a ser una variante del que había en la Nostromo del primer Alien. En ese sentido el personaje de Manuela Velasco puede parecer una especie de Ripley, si bien en este cuarto film se opta más por un estilo como el de James Cameron en Aliens, por lo que se podría decir que prevalece la acción sobre el terror (como ocurre en la antes citada Resident Evil) Pese a todo se mantiene uno de los signos distintivos de la saga, teniendo por momentos tanto mareo de cámara en las escenas con más gore y sangrientas, que resulta un poco dificil discernir lo que pasa.

Tras un prólogo en la comunidad de vecinos donde todo empezó, el resto de la acción es en el mar. En el barco antes citado están concentrados los supervivientes de la original y de [Rec] 3 en un intento de contención del virus que (como es lógico suponer) acabará fallando. En la actual saturación de zombis en cine y televisión se puede justificar que la saga abandona su origen (la grabación cámara en mano) derivando más bien hacia una variante de Resident Evil, pero también es verdad que ha habido muchos ejemplos de "metraje encontrado" y por ahi poca novedad podía haber (queda ya lejano El proyecto de la Bruja de Blair de 1999 que tomó en parte como referente el [Rec] inicial de 2007).

Con unos efectos visuales bastante logrados para las intenciones finales del producto, me gustaría destacar la escena del mono en la cocina, que me hizo recordar a Gremlins. Es a partir de ahi cuando se inicia un ritmo imparable en esta [Rec] 4 que intenta mantener la atención del espectador en todo momento, y aunque peca de mareante en algunas escenas (si bien ese detalle ya lo tiene desde la primera entrega) tengo que reconocer que me lo pasé estupendamente siendo al final un producto muy aceptable si uno no cuestiona mucho las un poco enrevesadas explicaciones que nos dan.

LO MEJOR: Es tremendamente entretenida y tiene un ritmo endiablado que no ofrece tregua al espectador si este se deja llevar por la propuesta de Balagueró.

LO PEOR: Las (al final) confusas aclaraciones sobre el virus, mero macguffin para sumergirse en la acción desenfrenada.


miércoles, 22 de octubre de 2014

SERENA, un insípido y soso melodrama que aburre hasta a las piedras

FICHA TÉCNICA

Título: Serena
Título original: Serena
Dirección: Susanne Bier
País: Estados Unidos, República Checa
Año: 2014
Fecha de estreno: 31/10/2014
Duración: 109 min.
Género: Drama
Reparto: Jennifer Lawrence, Bradley Cooper, Rhys Ifans, Toby Jones, Blake Ritson
Distribuidora: DeA Planeta Home Entertainment
Productora: 2929 Productions, Nick Wechsler Productions

SINOPSIS

La acción tiene lugar en Carolina del Norte durante los años de la Gran Depresión, es decir, en la década de los años 30 del siglo XX. George Pemberton (Bradley Cooper), cuyo negocio de la madera había sido el más importante de la región, ve cómo su próspera vida empieza a menguar a gran velocidad. Además, se le añade el problema de que su esposa, Serena (Jennifer Lawrence) no puede tener hijos.

CRÍTICA

Muchas han sido las problemáticas que ha sufrido esta película, que por fin ve la luz dos años y medio después de haberse rodado. Aparte de tener en su reparto a los ahora famosos Bradley Cooper y Jennifer Lawrence (que ya coincidieron en el film La gran estafa americana, título rodado de manera posterior a este pero estrenado ya hace casi un año) en papeles secundarios hay que destacar a Rhys Ifans (el Lagarto de The Amazing Spider-Man) y Toby Jones (el Alfred Hitchcock de The girl) Pero un buen plantel de actores no es sinónimo de buena película, algo que se cumple en esta Serena.

A nivel técnico no le puedo poner pegas al presente film: la fotografía es realmente preciosa y el diseño de producción resulta acertado (lo que nos presentan como Las Carolinas a principios del siglo XX es en verdad Praga) El problema radica en la adaptación de la historia, cuyo primer fallo más evidente son los dos protagonistas: hay actores polivalentes que te los puedes imaginar recreando personajes de cualquier época y hay otros que cuesta imaginarlos fuera del contexto actual, siendo eso segundo lo que les ocurre a la pareja protagonista (tanto Cooper como Lawrence)

Pese al esfuerzo, sobretodo de ella, sus personajes resultan pobres, sosos y en general falsos y poco creibles. Una historia que tendría que haber sido un melodrama de época centrado en la pareja protagonista acaba siendo una aburrida suma de vanos intentos por levantar el interés de una historia sosa, sin alma ni vida propia. La directora da la sensación de buscar una épica al estilo de Lo que el viento se llevó, pero la falta de ambición de su responsable nos deja algo más próximo a Australia (que, sin tampoco ser redonda, al menos es mejor película que la que nos ocupa)

Fallando desde su base, el resto de actores (incluidos los dos secundarios citados al principio de esta crónica) poco pueden hacer por levantar el interés, si bien hay que agradecer que tan solo dure 109 minutos, ya que por pretensiones esto podía haber sido facilmente un tostón de dos horas y media (o tres) pero ello poco beneficia a esta Serena, la típica película de carrera hacia los Oscars pero que al final ni triunfa, ni destaca, ni gana nada, y sin detalles dignos de mérito acaba siendo olvidada al poco de salir de la sala de cine donde la hemos aguantado.

LO MEJOR: Detalles secundarios como la fotografía o la ambientación, así como no excederse en la duración.

LO PEOR: La pareja protagonista falla al notarse ambos muy forzados en sus respectivos personajes (sobretodo él) y la historia es una pretendida epopeya histórica que al final carece de la épica que le hubiera otorgado un director más ambicioso.

martes, 21 de octubre de 2014

EL JUEZ, duelo actoral entre ROBERT DOWNEY JR.y ROBERT DUVALL

FICHA TÉCNICA

Título: El juez
Título original: The Judge
Dirección: David Dobkin
País: Estados Unidos
Año: 2014
Fecha de estreno: 24/10/2014
Duración: 141 min
Género: Drama
Reparto: Robert Downey Jr., Leighton Meester, Vera Farmiga, Vincent D'Onofrio, David Krumholtz, Robert Duvall, Billy Bob Thornton
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: Warner Bros. Pictures, Village Roadshow Pictures, Big Kid Pictures

SINOPSIS

Hank Palmer (Robert Downey Jr.) es uno de los mejores abogados de la ciudad de Boston. Pero ahora debe regresar a su pueblo natal porque su padre (Robert Duvall), que también es juez, acaba de ser acusado como el principal sospechoso de un cruel asesinato. Hank deberá enfrentarse a una verdad incómoda, además de reconstruir los puentes rotos con su familia desde hace mucho, mucho tiempo.

CRÍTICA

Hay películas que nacen con una clara intención, y en el caso de El juez la misma es sin duda que se la tengan en cuenta en las quinielas para la temporada de premios que se avecina como cada final de año. Ante tal objetivo no puedo menos que admitir que el duelo actoral de los dos Robert que se ve en pantalla (Downey Jr. vs. Duvall) pueda tener alguna mención, pero la lástima está en que el film en su conjunto no sea todo lo bueno que uno podría esperar, por dilatar demasiado algo hasta cierto punto previsible (la redención que experimentará el en inicio cínico abogado a cargo de Downey Jr.) frente a tramas secundarias con menor calado (como lo de la hipotética hija adolescente de nuestro protagonista)

No resulta muy complicado, cuando apenas llevamos una hora de metraje (y el primer momento en que miré el reloj), darse cuenta que el follón en el que se ha metido el personaje de Duvall permitirá al de Downey Jr. lucirse frente al jurado en un ¿vano? intento por salvaguardar el legado del primero (una carrera impecable de 42 años como juez en una pequeña ciudad) Eso nos lleva a multitud de escenas judiciales resueltas de manera correcta pero sustentadas DEMASIADO en las dotes de los dos actores principales, dejando de lado otros valores que hay en el film (como por ejemplo el personaje al que encarna Billy Bob Thornton, previsiblemente correcto pero claramente secundario)

Pese a la fuerza dramática que suele haber en los films judiciales (y que se sostiene aqui gracias a la buena labor de los dos Robert) el film también una historia familiar que contarnos. La misma está presente en el inicial rechazo que se tienen los dos protagonistas (y que se hace previsible que cambiará antes de llegar al final), ampliado además por los problemas de un hermano frustrado (al que da vida un correcto Vincent D'Onofrio), otro deficiente mental (y que poco aporta e importa) y una exnovia (a cargo de Vera Farmiga) cuyas tramas se podían haber reducido para un mejor resultado global (y es que sus 141 minutos sin duda alguna pesan para el espectador)

Hay que destacar, sin llegar a ser ridículo, las dosis de humor que sabe mostrar el argumento: si cuando se nos presenta al cínico personaje al que da vida Downey Jr., uno tiene en mente su Tony Stark de la saga Iron Man; el mayor acierto está en la escena en que el hijo va a ayudar al padre, y bajo la ducha somos partícipes de un instante con gran carga dramática pero donde también hay cierto tono humorístico (por la conversación que mantienen ambos con la nieta), siendo cuando el guión deja mejor retratado, fuera de odios y rencillas, ese amor del hijo por su ya anciano progenitor, algo que el dueto de los dos Robert (Downey Jr.y Duvall) consigue transmitir de manera memorable.

LO MEJOR: Pese a circular por terrenos previsibles, si por algo destaca El juez es por el duo actoral entre los dos Robert (Downey Jr. y Duvall) que sostiene sobre sus hombros la mayoría del peso de la historia (tanto en su apartado judicial como en el más dramático)

LO PEOR: Que alarga demasiado algo previsible (la redentora relación paterno-filial), volcando el interés hacia un drama familiar que se dilata de manera innecesaria con tramas superfluas.

viernes, 17 de octubre de 2014

THE EQUALIZER (EL PROTECTOR), hay un nuevo justiciero en la ciudad

FICHA TÉCNICA

Título: The Equalizer (El protector)
Título original: The Equalizer
Dirección: Antoine Fuqua
País: Estados Unidos
Año: 2014
Fecha de estreno: 17/10/2014
Duración: 128 min
Género: Criminal, Thriller, Acción
Calificación: No recomendada para menores de 18 años
Reparto: Denzel Washington, Chloe Moretz, Marton Csokas, Melissa Leo, Bill Pullman, Haley Bennett, David Harbour, David Meunier, Alex Veadov
Distribuidora: Sony Pictures
Productora: Columbia Pictures, Lions Gate Films, Escape Artists

SINOPSIS

En The Equalizer: El Protector, Denzel Washington interpreta a Robert McCall, un hombre convencido de haber dejado atrás su misterioso pasado y dedicado ahora a su nueva y tranquila vida. Pero cuando McCall conoce a Teri (Chloë Grace Moretz), una joven prostituta que está en manos de unos violentos gangsters rusos, no puede quedarse impasible: tiene que hacer todo lo posible por ayudarla. Armado con aptitudes ocultas que le permiten impartir venganza contra todo aquel que maltrate a los indefensos, McCall rompe su autoimpuesto retiro cuando despierta de nuevo su deseo de justicia. Si alguien tiene un problema, las probabilidades en contra, si no tienen nadie más a quien acudir, McCall les ayudará. Él es The Equalizer: El Protector.

CRÍTICA

En mi infancia tenía muchas series que me aportaban el entretenimiento deseado, y que quedaron marcadas para siempre (V, El equipo A, El coche fantástico, McGyver,...) siendo una de ellas The Equalizer, que yo conocí como L'Equalitzador al verla en catalán por la cadena autonómica TV3. Pese a los años pasados (que diluyen un poco el recuerdo), mi primera sorpresa cuando me enteré del presente remake fue el cambio de raza de su protagonista (en origen Edward Woodward, ahora Denzel Washington) pero le dí un voto de confianza por la solvencia del actor escogido, cuya mera presencia ha sido sinónimo en muchas ocasiones de mejora en el resultado final de los films donde aparece.

Hay que recordar además que la anterior vez que unieron esfuerzos el citado Washington con el director de esta película (Antoine Fuqua) fue en Training Day, film que le otorgó al primero el segundo de los dos Oscars que ha ganado hasta la fecha (el primero fue en 1989 a mejor actor secundario por Tiempos de gloria) El nuevo trabajo en común de ambos es un estupendo entretenimiento que nos ofrece una nueva versión más del justiciero urbano popularizado por Charles Bronson a finales de los años 70, continuado en personajes como por ejemplo el Punisher de los comics de la editorial Marvel, y en los últimos tiempos popularizado por Liam Neeson en sus films de acción.

Hay que recordar que la serie en la que se basa tenía un planteamiento que abraza sin reparos este remake: un experto detective y ex-espía se dedica a proteger a los desvalidos de las mafias o las personas que quieren abusar de ellos. Si en la televisión mucho del éxito se debe al carisma que tenía su protagonista, su cambio de raza para esta revisión se antoja acertado ya que el buen resultado final del presente film se debe a la sobría labor de Washington, que consigue insuflar a su antiheroe de cierto tono lacónico cual si fuera un moderno samurai (sirva de ejemplo la presentación de su rutina diaria) aunque eso no le priva de dotar de cierta humanidad y tono dramático a su McCall, para justificar sus actos.

Aparte del expédito protagonista el otro personaje a destacar sería el de la joven prostituta a la que encarna Chloë Grace Moretz, que puede tener cierto aire a la que encarnaba Jodie Foster en Taxi driver. De hecho la relación que se establece entre ambos puede recordar al film de Scorsese, si bien el talento de Fuqua no llega al nivel de la película de 1976 (aparte de que sus intenciones son otras) El problema más grave que arrastra The Equalizer estaría en su duración, ya que lo que nos cuenta y como nos lo cuenta daba para más o menos 100 minutos, sin dilaciones que no aportan nada como el cameo de Bill Pullman o el personaje de Johnny Skourtis (el gordo Ralphie)

LO MEJOR: Sin duda alguna su protagonista, que sabe llevar en sus hombros todo el peso del film de manera acertada, a lo que habría que sumar a nivel secundario la labor de Chloe Grace Moretz, descubierta a raiz del éxito de Kick-Ass, y que en sus trabajos posteriores se está labrando una carrera digna de mención.

LO PEOR: Peca de excesiva duración (128 minutos), algo que se hace evidente tras el insustancial cameo de Bill Pullman, o con el obviable personaje de Johnny Skourtis, dilatando demasiado algo que se podía resolver en menos. Asimismo la historia tampoco aporta novedades relevantes, circulando por los terrenos habituales de los films de justicieros urbanos.

LA ESCENA: Cual si fuera una especie de McGyver, todo el tramo final en el almacén donde trabaja el protagonista, y en donde pondrá en juego todo su ingenio e inventiva frente a los villanos.

LA DUDA: ¿Porqué se añade el innecesario complemento de (El protector) cuando se podría haber hecho traducción directa de su título original?


jueves, 9 de octubre de 2014

NINJA TURTLES, las tortugas de MICHAEL BAY y MEGAN FOX

FICHA TÉCNICA

Título: Ninja Turtles
Título original: Ninja Turtles
Dirección: Jonathan Liebesman
País: Estados Unidos
Año: 2014
Fecha de estreno: 17/10/2014
Duración: 101 min
Género: Comedia, Aventuras, Acción
Calificación: No recomendada para menores de 7 años
Reparto: Megan Fox, Alan Ritchson, Noel Fisher, Jeremy Howard, Will Arnett, Danny Woodburn, William Fichtner, Whoopi Goldberg, Abby Elliott, Johnny Knoxville
Distribuidora: Paramount Pictures
Productora: Paramount Pictures, Platinum Dunes, Nickelodeon Movies

SINOPSIS

La ciudad necesita héroes. La oscuridad se cierne sobre Nueva York desde que Shredder y su malvado Clan del Pie lo controlan todo con mano de hierro; desde la policía hasta los políticos. El futuro parece sombrío hasta que cuatro hermanos fuera de la ley surgen de las alcantarillas y descubren que su destino es ser las Ninja Turtles. Las tortugas deberán colaborar con la intrépida periodista April O'Neil (Megan Fox) y su sarcástico operador de cámara Vern Fenwick (Will Arnett) para salvar a la ciudad y frustrar los diabólicos planes de Shredder.

CRÍTICA

El éxito que tuvieron a principios de los años 90 las Tortugas Ninja a mi me pilló entre el final de la infancia y el principio de la adolescencia. No llegué a ser un fan acérrimo de los personajes pero fuí al cine a ver las dos primeras películas de acción real (la segunda con el temible subtítulo de "El secreto de los mocos verdes") así como la serie clásica de televisión (emitida por aquel entonces por la cadena autonómina TV3, por lo que al igual que me pasa con Dragon Ball, son títulos míticos que no me imagino en otro idioma que no sea catalán)

Lo que en su momento fue una fama efímera me dejó la imagen superficial de ser unos personajes infantiles, pero al cabo de unos años después descubrí los comics originales editados por Norma, mucho más adultos de lo que yo me imaginaba (cabe citar por ejemplo las influencias del Daredevil de Frank Miller que hubo en las Tortugas Ninja, ya que el Clan del Pie que lidera Shredder debe su nombre al Clan de la Mano contra la que se enfrenta Elektra y el citado Daredevil en los comics de la Marvel) Para los interesados teneis mi reseña de esos comics por este enlace.

Estos famosos quelonios que cumplen 30 años en el presente 2014 lo "celebran" con el presente film, un simple pasatiempo para entretener que no aspira a más. Aunque el director sea Jonathan Liebesman (a quien se le deben "joyas" (nótese el sarcasmo) como La matanza de Texas: el origen, Invasión a la Tierra e Ira de Titanes) su labor es más discreta para así no estorbar mucho al responsable final de la película, el productor Michael Bay, que pone en estas Ninja Turtles todos los atributos de su estilo de hacer cine, para solaz de sus fans e ira de sus detractores.

Aparte de los detalles técnicos habituales (como la acción en exceso, los chistes absurdos y muchos efectos visuales) como buena producción 100% Bay recupera a la que se podría tildar como su musa, una guapa Megan Fox con la que disfrutaría de una sesión de sexo, pero cuyas aptitudes como actriz creo que son más bien dudosas. Pese aunque cuesta imaginarla en el papel de April O'Neil siempre es mejor que el personaje de Will Arnett (que es un mero adorno que no pinta nada) o que el de William Fitchner (un actor que aqui realiza tan solo un trabajo alimenticio) Lo de Whoopi Goldberg es más que nada un cameo, porque tan solo sale en un par de escenas.

No criticaré la película, porque a mi me entretuvo cogiéndola sin pensar mucho, pero que luego no se queje Bay ya que el Shredder del presente film parece primo de sus famosos Transformers. Asimismo, y aunque se respeta la esencia de los personajes, la historia entrelaza los orígenes de las Tortugas Ninja con April O'Neil, y después con el villano, algo que es ya bastante tópico en las películas de orígenes de superhéroes (y que no aporta nada reseñable al conjunto final) Eso si, la interactuación de estas nuevas Tortugas es realmente destacable aunque su aspecto chocará en un primer momento con los acostumbrados a la serie de animación (o que recuerden los films noventeros)

LO MEJOR: Entretiene dentro del estilo de película que es (muy determinado por la mano de su productor Michael Bay) y consigue sus mejores momentos en la presentación inicial, con viñetas en movimiento que pueden recordar a los comics. También destacaría gracias al CGI lo creibles y expresivas que resultan estas Tortugas frente a las vistas en los films de los noventa (donde eran animatronics y personas disfrazadas).

LO PEOR: Todo lo más típico en la manera que tiene de rodar Michael Bay está presente en esta película, por lo que podría citar (por ejemplo) la acción caótica, pero eso ya es un detalle inherente al propio estilo de hacer cine que tiene el citado responsable de la saga Transformers. También es un tanto discutible el enlace que hace el guión entre los orígenes de los cuatro quelonios y el personaje de Megan Fox (y luego el villano), siendo ya un tópico en los films sobre orígenes de héroes del comic, donde todos los personajes principales parece que tengan que estar entrelazados por un destino común.

LA PUBLICIDAD SUBLIMINAL: Como disimulan dos Tortugas Ninja frente a un cartel de Victoria's Secret (para los que no es la primera vez que Bay trabaja con ellos)


jueves, 2 de octubre de 2014

PERDIDA (GONE GIRL), una notable adaptación de DAVID FINCHER

FICHA TÉCNICA

Título: Perdida (Gone girl)
Título original: Gone girl
Dirección: David Fincher
País: Estados Unidos
Año: 2014
Fecha de estreno: 10/10/2014
Duración: 149 min
Género: Drama, Thriller
Reparto: Ben Affleck, Rosamund Pike, Tyler Perry, Neil Patrick Harris, Missi Pyle, Patrick Fugit, Kim Dickens, Casey Wilson, Kathleen Rose Perkins, Emily Ratajkowski
Distribuidora: 20th Century Fox
Productora: Pacific Standard

SINOPSIS

Nick (Ben Affleck) es un ex periodista casado con una hermosa mujer llamada Amy (Rosamund Pike). El matrimonio está en la cuerda floja, en parte por la mala situación económica. Con la ayuda de una hermana de Amy, deciden montar un restaurante; pero no parece ser la solución a sus problemas, hasta que el día en que cumplen cinco años casados, Amy desaparece. Enseguida, todas las sospechas recaen sobre Nick, pero él se muestra tranquilo, seguro de sí mismo, e incluso contesta con parsimonia a las insistentes preguntas de los periodistas. Si no ha sido él el culpable de la desaparición, ¿quién es el criminal?

CRÍTICA

Cuando me leí hace poco más de un año la novela de Gillian Flynn en la que se basa esta nueva obra de David Fincher ya dejé bien claro que si se lo curraban, podía salir de ahi una película realmente notable. Con la confianza hacia el director escogido, era el reparto quien tenía que demostrar su valía, pero ahi también tengo que admitir que se acertó con el duo Ben Affleck y Rosamund Pike, ya que el primero no me extrañaría que ganara una nominación al Oscar a mejor actor por este título, mientras que la segunda consigue un papel importante (lejos de la mera presencia secundaria que fue en films como Los sustitutos, Muere otro día, Jack Reacher o Ira de Titanes), por lo que no sería raro algún reconocimiento a su labor.

Puede parecer exagerada mi efusión hacia los protagonistas, pero es que ellos consiguen el equilibrio perfecto de un relato del que es mejor saber poco (o nada) para poder disfrutarlo sin spoilers (en mi caso como había leído la novela ya sabía lo que iba a ocurrir, pero no tengo queja al respecto porque Fincher realiza una adaptación modélica) Al igual que en el libro, la historia que nos narran es una visión sobre el matrimonio, las falsas apariencias, las relaciones enfermizas y lo que la telebasura puede manipular en la opinión pública; todo ello narrado bajo los dos puntos de vista de la pareja protagonista (Ben Affleck y Rosamund Pike) primero por separado aunque luego entrelazándolos, dotando al conjunto de un excelente análisis psicológico de ambos personajes y su malsana relación conyugal.

El mayor handicap que puede encontrar el espectador ante Perdida (Gone girl) viene dado por su duración, pero sus casi dos horas y media de metraje no se hacen aburridas en ningún momento, primero dejándonos llevar por lo aparente, hasta que pasada la hora y media se toma un giro que (para el que no lo sepa de antemano) la aleja de lo convencional y rutinario que ante su sinopsis uno podría esperar, en un puzzle argumental donde nada es lo que parece. Asimismo hay que destacar una atmósfera muy lograda sobretodo por una acertada banda sonora de Trent Reznor y Atticus Ross, presentes en los más recientes trabajos de David Fincher.

Pese a que sin duda estamos ante una de las mejores películas de la temporada, así como destacable en la filmografía de su director, Perdida (Gone girl) no llegaría por poco a la altura de films previos como Zodiac y La red social, que serían las dos cumbres de Fincher en dicha labor. Aún así eso no es obstáculo para disfrutar de lo lindo con un notable thriller que sin duda es una simbiosis perfecta entre director y material adaptado, logrando mantener el interés del espectador durante sus 149 minutos, al igual que la novela (pese a su extensión) resulta de lectura adictiva, hasta el punto de que sin duda en el Hollywood clásico esta historia sería digna de lo mejor de Alfred Hitchcock.

LO MEJOR: La notable adaptación de la novela original, refrendada por la labor de David Fincher tras las cámaras y del duo formado por Ben Affleck y Rosamund Pike frente a las mismas.

LO PEOR: No acudir virgen de spoilers a la hora de ver esta película por primera vez o prejuzgarla por su extenso metraje.