EL EXORCISTA DEL PAPA, lo previsible (crítica sin spoilers)

Muchas veces he comentado (y ejemplos como este no hacen más que confirmármelo) que en cuanto a exorcismos en la gran pantalla, TODO lo que ha precedido a la película El exorcista (que justo este 2023 cumple 50 años) ha bebido, en mayor o menor medida, del film de William Friedkin basado en la obra de William Peter Blatty. Curiosamente hace pocos meses descubrí yo la citada novela, lo que me llevó a darle un revisado a la película que generó, por lo que tenía  bastante fresco en la mente su esquema básico, que el presente film se limita a reincidir. Ya en fechas recientes había visto y leido El exorcismo de mi mejor amiga (una novela discreta que generó una adaptación más bien olvidable), lo que no hacía más que reafirmarme en mi opinión sobre dicho subgénero del terror, pero le dí el beneficio de la duda a esta opción.

Intentando repetir el éxito del universo de películas generado a raiz de Expediente Warren, se nota mucho (y en especial en su tramo final) que la idea de sus responsables es convertir la vida y experiencias del sacerdote Gabriele Amorth (personaje real fallecido en 2016, que ejerció como exorcista en la Diócesis de Roma) en algo así como una versión cinematográfica similar a la del matrimonio Warren, encarnado en aquellas por Patrick Wilson y Vera Farmiga. Para ello se valen de un intérprete solvente como Russell Crowe, cuyo carisma consigue que en su conjunto El exorcista del Papa se deje ver sin problemas, si bien ello no la convierte en una buena película, ya que estamos ante un film que no innova en nada.

Dirigida por Julius Avery, del que justo el año pasado vi su obra previa Samaritan (donde Stallone encarnaba a un ficticio superhéroe crepúscular), en esta El exorcista del Papa se limita a situar la cámara con mayor o menor acierto en una historia donde tenemos la típica familia americana que arrastra un trauma, donde el más pequeño de la casa será poseido, lo que dará pie a todos los estereotipos relacionados con ello (por ejemplo el omnipresente crucifijo volteado), hasta que al final acuden al padre Amorth, aqui representado como una especie de pragmático antiheroe crepúscular que descubrirá que bajo ello se esconde un peligro relacionado con la antigua Inquisición Española, el cual puede poner en jaque a la Iglesia Católica, siendo a partir de ese momento cuando lo que parecía la enésima película de exorcismos se transforma en algo parecido al universo antes citado generado por Expediente Warren. El éxito del trabajo de su protagonista, el citado Russell Crowe, está en el hecho de ser el único personaje con el que el espectador logra empatizar, ya que el resto del elenco (donde sorprende encontrar a un actor como Franco Nero) tienen a su cargo unos personajes insípidos.

De todas maneras la película se deja ver, sin caer en el desastre, al respetar ciertos detalles como por ejemplo el idioma de cada personaje (ví este film en un pase de prensa en versión original, haciéndose patente el uso del italiano, el inglés y el español, por lo que ignoro como se solventará eso en la versión doblada que llega a los cines), a lo que sumar el antes citado trabajo de un Russell Crowe que sostiene la película sobre sus hombros, si bien se adivina que no hay ni rastro de cualquier detalle cercano al biopic del verdadero padre Amorth, decantándose más bien por una representación perfilada de cara a generar (si la suerte le acompaña) un carismático protagonista de una nueva franquicia de relativo terror (la distribuidora detras de un producto como este es Screen Gems, que conoce el género por franquicias como las de Resident Evil y Underworld) En resumidas cuentas El exorcista del Papa es el enésimo ejemplo de la larga sombra del film de Friedkin de 1973 citado al inicio (los paralelismos son evidentes), al que salvaría su falta de pretensiones más allá de moverse dentro del terror fantástico de serie B, con clara intención de generar un universo propio.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 5 de abril de 2023.
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THOR LOVE AND THUNDER, ¡a por la cuarta! (crítica sin spoilers)

Cuando se empezó a crear el universo Marvel cinematográfico he de admitir que pensaba que el reto más dificil sería Thor, cuyo estilo y estética lo veía dificil de trasladar a la pantalla. En ese sentido veía más fácil a Iron Man (que después de todo fue la "piedra inaugural") y Capitán América (que creo que es el que ha tenido una trilogia más homogénea) Por todo aquello del tono tipo Shakespeare que uno relaciona con las mitologias, la primera cinta resultó entretenida bajo la batuta de un experto en el tema como Kenneth Branagh, y poco más de dos años después llegó su secuela, que para muchos es el título más flojo de todo este universo cinemotográfico (a mi me entretuvo pero posteriores films la han hecho descender de mi ranking)

Para la tercera entrega se optó por un cambio radical de estilo, que quedó evidente en el trabajo de su director (Taika Waititi), logrando con Ragnarok la mejor recaudación de esta franquicia (hasta entonces), pero también una total disparidad entre los que disfrutaron con ella (como me ocurrió a mi) y a los que se les atragantó ese toque paródico que en algunos momentos se hacía un tanto excesivo. Pero como el dinero es lo que prima, ese Thor del que dudaba en inicio llega a su cuarta película en solitario (primer personaje Marvel en lograrlo), de nuevo con Taika Waititi dirigiendo y con el regreso de la Jane Foster de Natalie Portman (ausente desde la secuela de 2013)

Justamente es la citada actriz uno de los mayores alicientes para ver esta secuela, y aunque ella cumple bien con su función, incluyendo la misma excusa argumental que en los comics para que se convierta en la Poderosa Thor, la sensación final es que o bien no se acaba de aprovechar del todo su presencia, o bien es la propia actriz quien no tiene mayor interés que el cheque que haya cobrado (aunque también cabe la posibilidad de que con un metraje inicial de 4 horas, al pasar por la sala de montaje mucho de lo suyo haya acabado descartado) De todas maneras la escena final tras los títulos de crédito la presenta entrando en otro mítico escenario del universo Marvel por el que igual pasarán en algún futuro proyecto... o no (la otra escena enmedio de los créditos finales sirve para presentar a un nuevo personaje con el que ampliar este universo, relacionado con el interpretado con un tono muy socarrón por Russell Crowe)

 

Quien parece disfrutar a tope es un Chris Hemsworth que ya en el film precedente demostró que se encuentra más a gusto con la comedia de Ragnarok que con la grandilocuencia inicial de sus dos primeras películas, encontrando en el director Taika Waititi la justificación perfecta para volver a ofrecer una interpretación en la que, cada vez más, es dificil discernir al Thor de las viñetas, sino al mencionado actor interpretando al Dios del Trueno. Aqui nos lo presentan en un principio buscando la serenidad (a su manera) tras todas las desgracias acontecidas (sobretodo sus pérdidas familiares) junto con los Guardianes de la Galaxia, si bien la presencia de estos se ciñe a dicha introducción, ya que separarán sus caminos cuando Thor se entere de la existencia del Carnicero de los Dioses. Pero al poco de empezar a seguirle la pista se llevará una sorpresa al encontrarse a la poderosa Thor.

Si en las viñetas se mantuvo el misterio sobre su identidad durante cierto tiempo, en la película todo queda desvelado en un momento, con lo cual no hay ningún detalle a destripar (o sea, ningún spoiler) si eso se da ya por supuesto (como ha hecho la propia campaña promocional de esta cinta) Eso no es obstáculo para que a partir de ahi se hilvane una trama secundaria bastante correcta con la relación de pareja entre ambos personajes: desde como fue hasta como se encuentra en la actualidad, mostrando la vertiente de novio despechado de Thor (tanto por Jane como por Mjolnir) Entremedio de ellos repite la Valkiria encarnada por Tessa Thompson (con una clara orientación sexual que puede no ser del agrado de todos) y el Korg al que pone voz el propio director de la película (y cuyos progenitores también tienen una clara orientación sexual...), siendo ambos personajes unos buenos contrapuntos a la pareja de Thors protagonista.

 

Por otro lado se situa el Carnicero de Dioses llamado Gorr al que interpreta Christian Bale de una manera excelente... aunque con matices: sin duda alguna ese villano tiene mucha fuerza visual y tanto en su origen como en su justificación no hay lugar para la comedia, pero no acaba de ser todo lo inquietante que debería, demostrando que igual no era el villano adecuado para una película con este tono. La interpretación de Bale es realmente muy buena, pero al continuar en esta cinta el mismo esquema paródico ya visto en la previa Ragnarok, su Gorr no logra transmitir esa sensación de amenaza que debería tener, adivinándose bajo las imágenes otro estilo de película más oscuro que hubiera cuadrado más con un villano como este. De hecho ya se hace evidente en el recurso que utiliza para atraer a Thor a su terreno, demostrando ahi que la película no olvida a su potencial público infantil...

 

En resumidas cuentas Thor Love and Thunder es continuista respecto a lo que se vió en Ragnarok, por lo que a los que no les gustó aquella, esta no les va a gustar. En cuanto al resto pueden pasar un rato entretenido con el tono simpático y paródico del que hace gala en todo momento (admito que quizás en exceso, aunque acierta en detalles como el engreído Zeus al que da vida Russell Crowe), si bien no se priva de repetir detalles que funcionaron antes (como lo del teatro, aqui actualizado) e introducir nuevas criaturas (como las dos escandalosas cabras de Thor) Pero más allá de que uno comulgue o no con el tono sarcástico de Waititi, hay que darle el mérito de poner un toque personal (como por ejemplo también James Gunn con sus películas de Guardianes de la galaxia hasta la fecha) a un universo Marvel del que muchos se quejan que a estas alturas está cimentado bajo unos esquemas repetitivos e impersonales.

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• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 8 de julio de 2022.
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HELLBLAZER: ANDY DIGGLE, EL HOMBRE GARABATEADO, MAJARETA, HOLLYWOOD JAN y LA JUVENTUD DE MICKEY (minireseñas)

Fue algo "curioso" cuando empecé a leerme este volumen porque lo que estaba viendo a mi me sonaba bastante de ya haberlo leído. Como todo en esta vida, la explicación era sencilla, en el tomo de Hellblazer titulado Paseo en coche que me leí hace más de dos años ya estaban esos siete primeros números incluidos aqui (en este tomo que recopila toda la etapa de Andy Diggle están incluidos los números 230 al 250 de Hellblazer, por lo que he podido completar las buenas sensaciones que me dejó el comic citado que incluia el inicio de esta etapa)

Si de la primera tanda lo que más me gustó fue el arco argumental De paseo (por lo original de lo que plantea), una vez leida en su conjunto también destacaría El mago sonriente, donde se presenta uno de los oponentes más destacados que le he visto yo a John Constantine: el mago africano Mako, que absorbe el poder de otros magos comiéndose sus cerebros. Unido junto a Lord Calvin Burnham (el "villano" presentado en De paseo), su combate con Constatine será bastante "curioso". En conjunto este tomo recoge una etapa amena y muy entretenida.

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Me he leido El hombre garabateado porque pensaba que sería un comic con algunas dosis de terror, aunque más bien lo que me encontré es un relato de suspense orquestado sobre tres protagonistas femeninas, que se corresponden con tres generaciones de una misma familia. Las dos mujeres más jóvenes tendrán que llevar a cabo una concienzuda investigación para resolver misterios ocultos de su familia tras la irrupción en sus vidas del misterioso personaje de la portada, en un relato donde prima el tono fantástico y mitológico.

Lo más llamativo a medida que uno se sumerge en la lectura de esta obra es sin duda lo bien definidas que están las mujeres de esta historia, que consiguen desarrollarse bastante más y mejor que lo que uno se hubiera imaginado, hasta el punto de que ellas serían sin duda alguna las verdaderas protagonistas, siendo la criatura que da título a esta comic tan solo una mera excusa para que giren la cabeza (metafóricamente hablando) a su pasado familiar para así no olvidarlo. Un entretenido cuento de como los relatos pueden acabar siendo leyendas.

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Hace poco leí un comic sobre el trastorno bipolar que me resultó bastante interesante, por lo que al buscar por temática encontré este otro de Ellen Forney que también trata de lo mismo desde el punto de vista personal de la propia autora, en un destacado ejercicio de autoanálisis mediante el cual la autora nos narra sus vivencias desde el momento en que le diagnosticaron que padecía trastorno bipolar. El mayor miedo de Forney era saber si eso afectaría a su vida artística como historietista, en la que incluso logró nominaciones a los Eisner.

Lo más destacado de este comic sería ante todo su talante (de lo más optimista), pese a que la autora nos describe la crónica de su peor etapa, cuando tuvo que lidiar con todo un montón de medicamentos hasta encontrar los que le fueran bien en su caso. Incluso Forney investigó sobre otros posibles artistas que pudieran haber sido como ella mientras vemos (algo que ella refleja muy bien en viñetas) la montaña rusa que era su psique hasta que alcanzó un relativo equilibrio. Majareta resulta una obra terapéutica para comprender este tipo de problemas.

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Admito que en un inicio no era este el comic de Bastien Vivès con el que quería empezar a conocer a este autor, pero viendo que su espacio en la biblioteca está bien poblado me llamó la atención este Hollywood Jan por sus claras referencias a esa otra gran pasión mía (junto a los comics): el cine. En este caso junto a Michaël Sanlaville, lo que nos presentan ambos autores es al joven Jan, un chaval tímido y acomplejado con una vida social bastante triste, pero que él sobrelleva con su amplia vida interior (que es donde radica lo simpático de esto)

¿Cuantos chavales no hay que hayan tenido algún amigo invisible? Frente a una sociedad en la que resulta bastante dificil aclimatarse, muchos se han abocado a un mundo interior en el que se sentían más completos y libres. Eso es lo que le ocurre al protagonista de este comic con Arnold Schwarzenegger, Sylvester Stallone y Russell Crowe, a los que se imagina con la labor de consejeros para sobrellevar su vida diaria. A medida que Jan se vaya "abriendo" eso cambiará, en una obra tan simpática como optimista.

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Grata sorpresa la que tuve al pasar por la sección infantil de la biblioteca ya que me encontré con esta La juventud de Mickey, una obra del historietista francés Tébo, al cual reconozco que no conocía aún. Me fié de mi intuición por lo mucho que me gustó hace meses otro comic del famoso ratón emblema de la Disney, y tengo que admitir que estamos no solo frente a una obra perfecta para aficionar a la lectura a las nuevas generaciones, sino que al mismo tiempo es una delicia para los más veteranos que crecimos con este personaje.

Cual si este popular ratón fuese el anciano que por edad sería, en este comic vemos como el abuelo Mickey le cuenta toda una serie de aventuras a su sobrino-nieto Norbert, un jovencito más aficionado (como las generaciones actuales) a jugar a los videojuegos que no ha escuchar las "batallitas" del abuelo. Pasando por un montón de géneros (sea ciencia-ficción, aventuras, bélico, western, etc.) y beneficiada de un apartado gráfico agradable y un ritmo desenfado y jovial, resulta una espléndida elección para convocar a nuevos jóvenes lectores.

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LA MOMIA (2017), el fallido comienzo del DARK UNIVERSE

Cuando se estrenó hace 18 años la anterior versión de La Momia (esa de 1999 de Stephen Sommers que muchos aún tendreis en el recuerdo) salí decepcionado al verla en el cine porque lo que yo me esperaba (¡iluso de mi!) era un remake (fuera luego mejor o peor) del original, es decir CON TERROR, lo cual brillaba por su ausencia. De todas maneras asumí mi error (y asumí el tipo de película de la que se trataba: aventuras de tono clásico herederas del estilo de Indiana Jones) y con tal estado de ánimo reconozco que su primera secuela, de 2001, la disfruté incluso más que el film inicial.

Aquella franquicia tuvo un tercer episodio que llegó demasiado tarde (siete años después) lo que hacía pensar que la citada saga había acabado, pero ahora la Universal planea resucitar a toda su galería de monstruos en eso que han dado a llamar Dark Universe y de la que este título es el primero de la serie que está por llegar. No resulta muy dificil ver que se trata de un intento de hacer un universo cinematográfico cohesionado como hace (con acierto) la Marvel desde hace casi una década y como está esforzándose la Warner con los superhéroes de DC desde el pasado año.

A tenor de las críticas previas (que la pusieron a caldo) acudí a verla con la idea de que sería un bodrio con mayúsculas, y ahi tengo que admitir que no es así. Pero que no sea mala película, desde luego que no la hace buena ni por asomo, por lo que habrá que ver si en próximas entregas (en caso de haberlas, todo depende de como le vaya en taquilla) el tono general de este universo oscuro mejora algo (el material de origen es destacable, aunque volver a él tan solo sirve para demostrar la falta de ideas en el Hollywood actual, donde todo es reciclado una y otra vez, y se prefiere tirar de lo viejo conocido que de lo que la inventiva pueda generar, ofreciendo productos prefabricados como la presente nueva versión de La Momia)

Lo que hay que admitir es la inteligencia de Tom Cruise a la hora de meterse en un proyecto que puede ser una hipotética franquicia de la que seguir sacando dividendos, aunque no se pueda decir que sorprenda aqui llegando incluso a decir en un momento dado su personaje que no sabe lo que hace, lo que se podría extender al mismo actor, que se mueve de un lado para otro durante la película sin que quede claro causa ni motivo (de hecho poca diferencia hay entre lo que hace aqui y lo visto en Jack Reacher o como Ethan Hunt en la franquicia de Misión Imposible) De un tópico a otro, si este héroe es tan insustancial, eso se puede extender a su supuesto amigo de aventuras, con el que se hacen unos insertos de humor muy ridículos, o la típica compañera femenina que tan solo sirve para cubrir la vacante de "pareja" de la estrella de la función (en este caso el citado Cruise)

La idea de ese universo cohesionado se quiere dar mediante la organización que dirige el Henry Jekyll al que da vida un Russell Crowe discreto como tal e insatisfactorio en su previsible escena como Edward Hyde (cambio, además, que deja mucho que desear) Se puede decir que intentan que sea el equivalente al Nick Furia de Samuel L.Jackson en las películas de la Marvel, pero el resultado (al menos en este primer intento) no acaba de convencer si bien tampoco resulta molesto. Mejor acierto hay en la momia a la que da vida Sofia Boutella, que se convierte sin problemas en lo más interesante de la película, con todo que su peligrosidad nunca acaba de hacerse tan patente como nos quieren dar a entender.

En resumen digamos que esta película sería como una especie de monstruo de Frankenstein, ya que se dedica a mezclar detalles de un lado y de otro (aventuras, terror, comedia, acción) con un resultado irregular en todos ellos. Pero, como he indicado antes, lo que prevalece es la idea de producto prefabricado, por lo que esa amalgama de conceptos tan solo sirve para ofrecernos una película sin sorpresas destacables (me abstendré de comentar como la momia acaba con sus víctimas, porque también es un giro un tanto forzado que puede llevar más bien al cachondeo) y en la que se pretende llegar a cuanto más público mejor, con todos los tópicos de un blockbuster que uno se quiera imaginar.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 9 de junio de 2017
• LO MEJOR: Visualmente cumple bien y el personaje central de la momia resulta convincente.
• LO PEOR: El guión es esquemático y los personajes arquetipos A LO SUMO correctos
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DOS BUENOS TIPOS, una muy simpática "buddy-movie" setentera

Viendo (y disfrutando) Dos buenos tipos lo primero que se le viene a la mente al espectador serían las "buddy movies" que triunfaron en los ochenta y noventa, con la saga de Arma Letal a la cabeza. De hecho el guionista de la citada saga (Shane Black) es el director de este film, donde de nuevo el mayor acierto radica en el contraste que hay entre su duo protagonista, en este caso unos notables Russell Crowe y Ryan Gosling, cuya evidente química en la pantalla ayuda a que el resultado final sea más simpático de lo esperado (admito que no había prestado mucha atención al material promocional previo por lo que asistí al cine sin ideas preconcebidas y con ánimo de, como mínimo, entretenerme, llevándome a cambio una grata sorpresa mejor de lo esperada)

Cual si fueran los clásicos Starsky y Hutch (y no es dificil ver el guiño hacia los mismos) la historia nos situa en 1977, y nos cuenta como el más bien inepto detective privado al que da vida Gosling tendrá que aliarse con el matón a sueldo a cargo de Crowe para lograr solventar una trama que comienza con la búsqueda de una chica desaparecida y que luego se complica con una película porno que parece esconder una crítica contra el capitalismo promovido por las más altas instancias de la ciudad (como dicen en un momento dado: ¿estamos buscando una película porno donde lo que importa es el argumento?, una ironia que se puede admitir tan viable entonces como ahora)

Hay que destacar la muy acertada ambientación de este film, que nos situa sin problemas en esa época en la que la industria porno emergía, en la que estaba reciente lo del Watergate de Nixon (que sirve además para una de las multiples guasas que abundan en sus casi dos horas de metraje) y en que el capitalismo empezaba a dominar a la sociedad de consumo (ya estaban a la vuelta de la esquina los años 80 y todo lo que trajeron con ellos) Dicho viaje al pasado se desarrolla con evidente nostalgia por parte de su director y mucho cinismo por parte de sus dos protagonistas, que se ven como los últimos reductos de un estilo de vida pasado de moda (lo que resulta irónico por lo retro que se ve ahora ese tono de hace cuatro décadas visto desde el momento actual)

De todas maneras se denota humanidad en este duo de personajes, sobretodo a través de la retoña del detective a cargo de Gosling, siendo la relación que comparten de padre e hija la que ofrece algunos de los momentos más acertados, ya que una muy apropiada Angourie Rice consigue estar a la altura de los dos veteranos actores que encabezan el presente título, estableciendose en ocasiones (dentro de la trama detectivesca) una simbiosis paternofilial parecida a la que había entre la sobrina del Inspector Gadget y el citado policia. Eso deja claro que ambos personajes no son héroes 100% íntegros (tienen sus vicios y sus errores), pero aún así consiguen transmitir una inmediata empatía al espectador, que enseguida congenia con ellos (al verlos humanos y no meros estereotipos)

Destilando sarcasmo en sus ingeniosos monólogos, uno podría imaginar a este duo en algún título de Tarantino (¡ojo a la escena onírica con un insecto!) a lo que ayuda bastante la alegre autoironia con la que Crowe y Gosling se enfrentan a sus personajes, en un guión repleto de hilarantes diálogos que logran elevar por encima de la media de este tipo de películas a un film que busca en todo momento caer simpático, hecho que lograron conmigo totalmente (no en vano estamos ante una película que creo que conectará muy bien con aquellos que vivimos nuestra infancia más o menos en el momento en que se ambienta la acción de la misma, por su claro efecto nostálgico)

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 10 de junio de 2016
• LAS CURIOSIDADES: Casi dos décadas después de L.A.Confidencial se vuelven a reunir en este film dos de sus actores principales: Russell Crowe y Kim Basinger (esta última en un papel secundario) Además (¡y que gratos recuerdos de mi infancia!) es una escena se ve el mítico videojuego Pong, famoso en aquellos años gracias a Atari (y que con los actuales juegos se ve totalmente prehistórico)
• LO MEJOR: La notable química que se establece entre los dos actores protagonistas, haciéndose evidente en la simpática autoironia con la que enfocan sus respectivos personajes (sin olvidar a la joven hija en la ficción de Gosling, una actriz adolescente que ya apunta maneras), en una buddy movie que mira al pasado con nostalgia pero sin perder el humor más cínico y sarcástico.
• LO PEOR: Lo evidente en que te hueles "algo raro" con el personaje de Kim Basinger (y no digo más por ser spoiler)

NOÉ, la ambiciosa epopeya bíblica de DARREN ARONOFSKY

FICHA TÉCNICA

Título: Noé
Título original: Noah
Dirección: Darren Aronofsky
País: Estados Unidos
Año: 2014
Fecha de estreno: 04/04/2014
Duración: 138 min.
Género: Drama, Fantástico
Reparto: Russell Crowe, Jennifer Connelly, Emma Watson, Anthony Hopkins, Logan Lerman
Distribuidora: Paramount Pictures
Productora: New Regency Pictures, Protozoa Pictures, Disruption Entertainment

SINOPSIS

En un mundo destruido por la perversión de los hombres, un humilde carpintero llamado Noé (Russell Crowe) recibe una importante misión que será trascendental para la evolución y el desarrollo de la raza humana. Dios, cansado del corrupto y depravado comportamiento de los seres humanos a los que él mismo dio vida, advierte a Noé de un necesario e inminente diluvio universal que depure y libere a la tierra de la acción humana.

Noé tendrá que construir un arca gigante para salvar a su familia, donde deberá reunir a una pareja de cada especie animal para preservar su conservación y crecimiento tras el apocalíptico diluvio que acabará con la humanidad y su fatídica conducta. El arca evitará que los seres que estén dentro mueran ahogados y los mantendrá con vida para una posterior reconstrucción del universo.

CRÍTICA

Gracias al éxito conseguido por Cisne Negro el director Darren Aronofsky ha podido sacar adelante su particular versión de tan famoso personaje de la Biblia. Pese a una evidente falta de fidelidad (máxime en casos tan universales como este, donde caben muchas interpretaciones) el film ha levantado polémica entre los sectores más conservadores de la Iglesia, sin llegar a meditar que la Biblia es una obra con historias muy interesantes, sea uno más o menos cristiano, y que tan solo necesitan caer en unas manos competentes para hacerlas (como es el caso) una superproducción de Hollywood.

Pese a lo ambicioso de esta película, hay que reconocer que no estamos ante la mejor de Aronofsky (aunque pueda acabar siendo la más rentable) lo que nos pueda llevar a imaginar como hubieran sido en sus manos otros proyectos que en uno u otro momento se asociaron con él (siendo el más reciente Lobezno inmortal (The Wolverine) que acabó dirigiendo James Mangold) Y es que Aronofsky sonó como responsable de multitud de adaptaciones, tales como Batman: Año Uno, Lobo Solitario y su cachorro, Ronin, Watchmen o Robocop, aparte de la citada al inicio con Hugh Jackman. Como es sabido, algunos de esos proyectos acabaron en otras manos (¿mejores?¿peores?) y otras se quedaron en el limbo.

En cuanto a este Noé, estamos ante un proyecto muy personal para su director, que cuando tenía tan solo 13 años ganó un concurso de poesía con una oda dedicada a la mítica imagen de la paloma de la paz llevando una rama de olivo en su pico. Eso no ha privado para que el film haya tenido varias versiones (de cara a contentar a todos los sectores) siendo la final que ví hace unos días en pase de prensa la aprobada por el estudio (que no por el propio Aronofsky) Pese a que este pueda ser un film dificil de vender en la actualidad (lo bíblico no es que esté muy de moda) no dejo de admitir que estamos ante una película que respeta y no ofende en su planteamiento, gozando además de un ritmo ágil que no aburre para nada.

Uno de los detalles más llamativos nada más empezar el film (y que se pueden considerar concesión hacia más taquilla) son los llamados Vigilantes, unos gigantes de piedra que pronto se desvelan como ángeles caidos, y que ayudarán a Noé y los suyos en la confección de su famosa Arca. La misma (y todo lo que la rodea, desde su creación hasta su viaje) es donde el director opta por el espectáculo cinematográfico a mayor escala, con momentos del mejor cine de catástrofes (atención a escenas como cuando comienza el diluvio, ya que no solo del cielo saldrá el agua) Pero pese a ser una película que intenta contentar a cuantos más espectadores mejor, ese sería su mayor carencia al perder parte del toque transgresor que uno se puede esperar de un director como Aronofsky (a menos que un hipotético montaje del director cambie mi opinión)

El llamativo reparto de este film resulta muy adecuado (aunque no del todo aprovechado): desde un sorprendente Russell Crowe como Noé (héroe que lo mismo batalla contra los páganos que lidia con sus problemas familiares), secundado por Jennifer Connely como su abnegada (que no sumisa) esposa, Logan Lerman como uno de sus tres hijos y Emma Watson como una hija adoptiva que salvan al inicio de su periplo. Estando por el lado de los buenos nada menos que los designios de Dios, el punto actoral más flojo puede estar en el villano encarnado por Ray Winstone, que parece existir tan solo para la previsible batalla final con nuestro héroe (caso también del Matusalen de Anthony Hopkins, cuyas poco más de cuatro escenas no aportan mucho al conjunto del film)

La visión que al final nos deja el director en este film sobre tan mítico personaje bíblico resulta hermosa y solemne, a la vez que intensa y espectacular; y aunque Noé no se pueda calificar como excelente (quizás por esa necesidad de convencer a cuantos más mejor, como he citado antes), si que sin duda merece una oportunidad por parte del espectador, ya que sin ser adoctrinadora si que resulta realmente bella y destacable esta visión que Aronofsky nos ofrece de la mítica odisea de Noé, haciendonos meditar tras su final sobre la condición humana y si no hará falta ahora otro diluvio (divino) limpiador.

LO MEJOR: Es todo lo espectacular que uno puede prever de un film así, sin por ello olvidar una buena historia que lo englobe todo.

LO PEOR: Se nota que quiere contentar a cuantos más mejor, perdiendo ese toque transgresor propio de su director.

EL HOMBRE DE ACERO, añorando al SUPERMAN clásico

FICHA TÉCNICA

Título: El hombre de acero
Título original: Man of Steel
Dirección: Zack Snyder
País: Canadá, Estados Unidos
Año: 2013
Fecha de estreno: 21/06/2013
Duración: 148 min
Género: Acción, Ciencia ficción, Fantástico
Reparto: Henry Cavill, Russell Crowe, Amy Adams, Kevin Costner, Diane Lane, Michael Shannon, Christopher Meloni, Laurence Fishburne, Jadin Gould, Ayelet Zurer
Guión: David S. Goyer
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: Warner Bros. Pictures, Atlas Entertainment, Syncopy, Legendary Pictures, DC Entertainment, Third Act Productions

SINOPSIS 

Nueva película sobre los orígenes del superhéroe más famoso de todos los tiempos. Superman (Henry Cavill) nace en Krypton, un planeta que está a punto de desaparecer por culpa de un desequilibrio de elementos radioactivos. Su padre le envía a la Tierra para salvarle la vida, siendo adoptado por una humilde pareja de campesinos de Kansas (Kevin Costner y Diane Lane).

El bebé es bautizado como Clark Kent; pero escondiéndose de la sociedad acabará enamorado de la periodista Lois Lane (Amy Adams), aunque en realidad es un titán que se esfuerza por defender a los humanos de las implacables fuerzas del mal.

CRÍTICA

Ya ha llegado la nueva película sobre Superman que se supone que tendrá que darle un estilo diferente a la saga iniciada por Christopher Reeve y Richard Donner (y que se podría considerar acabada con Superman Returns, un nada encubierto remake vestido de secuela del film inicial) Bajo la batuta de Zack Snyder como director, y con la vista puesta en lo que consiguió Christopher Nolan con el otro gran héroe de DC (Batman) se supone que estamos ante la película inaugural de una serie de films que intentará sacar provecho de los personajes del Universo DC al igual que hace la Marvel con los propios desde hace unos años.

No en vano es una apuesta arriesgada (porque hablamos de 225 millones de dólares de presupuesto) por lo que el film está condenado a triunfar, porque en el caso de que no fuera así la Warner y DC perderían una (otra) oportunidad como ya les ocurrió con la irregular Green Lantern (Linterna Verde) A su favor tiene que ya desde principio nos muestra un estilo totalmente rupturista con el que recordamos del film de Donner (y sus secuelas) por los que por ese lado se puede evitar las comparaciones con el Superman Returns de Bryan Singer, cuya gélida recepción fue la que provocó el retraso de una nueva entrega del personaje en cines (unido a demandas sobre los derechos del mismo)

Cuando hace 7 años (en 2006) se estrenó la anterior película de este famoso e icónico superhéroe ya recuerdó que se rumoreó que su secuela tendría este título (El hombre de acero) así como que tendría la aparición del General Zod (también máximo villano de esta película, y al que se vió en la segunda entrega de la saga protagonizada por Christopher Reeve, entonces a cargo de Terence Stamp) Esos dos detalles los han mantenido (¡qué curioso!) pero todo lo demás es TOTALMENTE DIFERENTE. La pregunta sería si para bien o para mal (no en vano Batman ha tenido las visiones (acertadas y muy personales) de Tim Burton y el citado Nolan), quedándose en mi caso en un puesto intermedio.

El hombre de acero de Zack Snyder NO me parece la mejor película del año (esa, de momento, sigue siendo la secuela de Star Trek de J.J.Abrams), NO me parece la mejor película de Snyder (Amanecer de los muertos sigue ganando, e incluso Watchmen), NO me parece la mejor película de superhéroes (ahí siguen ganando varios títulos de Spiderman y los X-Men así como Los Vengadores) y NO me parece la mejor película del personaje (se me puede tildar de anticuado, pero el film de Donner de 1978 sigue siendo una maravilla, algo que no se puede decir de esta película) Incluso si nos remitimos a los superhéroes de este año, está mejor Iron Man 3 que esta (a la espera de que llegue Lobezno Inmortal)

Con los (múltiples) avances previos de El hombre de acero uno puede dudar de esta apreciación, ya que si quieren seguir el ejemplo del Batman de Nolan eso significa un desarrollo correcto de personajes por encima de las lógicas escenas de acción que toda adaptación de un comic de superhéroes ha de tener. Y os aseguro que al principio podía pensar uno que estábamos ante un nuevo clásico que influenciará a las nuevas generaciones como en su momento hizo Christopher Reeve en la infancia de muchos de nosotros (no es lo mismo ver una película para un niño que para un adulto), pese a las lógicas diferencias visuales para que no sufriera el varapalo del film de Singer hace 7 años (con todo que continúa el tono mesiánico del personaje, ver por ejemplo su trabajo temporal como pescador) Pero el problema es cuando Snyder se transforma en Bay...

Admito que Superman Returns podía carecer de la acción que uno espera en un personaje así, si bien sus mayores defectos podían estar en su "dependencia" de las películas iniciales tanto en estilo como en forma. Pero es que cuando llega aqui el tramo final con la previsible batalla entre nuestro superhéroe y el General Zod la destrucción masiva (y agotadora) se apodera de la pantalla de tal manera que los personajes pierden toda importancia (y para prueba me remito a la Jenny a la que intenta salvar Perry White con la amenaza de desplome de un edificio cercano. Que ese personaje muera o viva TE DA IGUAL... y no es el único) Si querían darle un tono épico al film ahi falla totalmente, confundiendolo con empacho de explosiones (otro detalle evidente sería en una banda sonora correcta pero sin un tema mítico como tuvo la de Donner en 1978)

Es tan apabullante todo el follón que arman en Smallville primero y en Metropolis después que ante lo exagerado de todo uno se pregunta con que intentarán sorprendernos en la secuela (si la hay), y es que la parte "destructora" de El hombre de acero parece realizada para cualquier entrega de los Transformers de Michael Bay. En cuanto al flojo desarrollo de los personajes queda patente en la muerte de Jonathan Kent (correcto Kevin Costner) que se convierte quizás en lo más minimalista del film (apenas un gesto que lo dice todo) pero que no consigue emocionar como si pasó con Glenn Ford en el film inicial de Donner, si bien en ello puede influenciar el origen casi simétrico de muchos de los superhéroes vistos en cine desde entonces (recordemos la muerte del Tio Ben para dar origen al arácnido Spiderman en sus múltiples variantes)

Pese a todo no diré que estamos ante una mala película, ni tampoco ante un film fallido, pero si ante un título que tan solo es entretenido, lo cual será suficiente para algunos pero demasiado poco para mi si con esto quieren poner la piedra inicial de una traslación a cine del universo DC. Es una lástima porque el reparto es sin duda muy llamativo, siendo todo un acierto Michael Shannon como Zod pero estando tan solo correctos (y algunos incluso poco aprovechados) otros nombres como Amy Adams, Laurence Fishburne, Diane Lane, Russell Crowe (que quizás sale demasiado) y el ya citado Kevin Costner. ¿Y Henry Cavill como Superman? Teniendo en cuenta que es más ESE personaje que Clark Kent (el cual digamos que "nace" al final) resulta aceptable pero sin el carisma que tuvo Christopher Reeve.

LO MEJOR: Intenta romper (de manera acertada) el estilo visual canónico que tuvo el Superman de Richard Donner y sus secuelas (incluyendo la de Singer en 2006) consiguiendo un estilo propio y diferente. Asimismo destacar a Michael Shannon cuyo Zod, quizás el mejor personaje de un reparto llamativo pero tan solo correcto.

LO PEOR: Aparte de que muchos personajes no estan suficientemente aprovechados (lo cual es una lástima teniendo en cuenta el plantel de actores), el tramo final es CANSINO con tanto exceso de explosiones y destrucciones, rompiendo toda posible épica que le quisieran dar al relato.

LOS MISERABLES, la (tan solo) correcta adaptación del musical con HUGH JACKMAN, RUSSELL CROWE, ANNE HATHAWAY, AMANDA SEYFRIED, SACHA BARON COHEN y HELENA BONHAM CARTER

FICHA TÉCNICA

Título: Los miserables
Título original: Les Misérables
Dirección: Tom Hooper
País: Reino Unido
Año: 2012
Fecha de estreno: 25/12/2012
Duración: 157 min.
Género: Drama, Musical
Calificación: No recomendada para menores de 12 años
Reparto: Anne Hathaway, Amanda Seyfried, Russell Crowe, Hugh Jackman, Helena Bonham Carter, Sacha Baron Cohen, Eddie Redmayne, Dee Bradley Baker, Samantha Barks, Ignacio Guirado
Guión: William Nicholson
Distribuidora: Universal International Pictures
Productora: Working Title Films, Cameron Mackintosh Ltd.

SINOPSIS

Francia, a principios del siglo XIX. El prisionero 24.601, de nombre Jean Valjean (Hugh Jackman), sale de la prisión con el objetivo de rehacer su vida y olvidar el pasado. Sin embargo, el impertinente inspector Javert (Russell Crowe) le pisa los talones buscando una excusa que le permita devolverlo a la cárcel. Son tiempos históricos a la par que convulsos: el telón de fondo es la rebelión de junio que tuvo lugar en París en el año 1832, el punto culminante de un lustro marcado por el hambre, la pobreza y la muerte.

CRÍTICA

Con un reparto como el que tiene este film llamarán sin duda la atención de muchos espectadores, y si además adapta una obra clásica como la de Victor Hugo más todavía, pese a las varias adaptaciones que ya he tenido la misma, siendo la de 1998 la más reciente. Pero hay que avisar que esta versión tiene algo nuevo y es que es MUSICAL, algo que recalco en mayúsculas porque salvo unos pocos diálogos entre según que escenas, TODO el film va sucediendo de canción en canción, en una jugada parecida a la que hizo Tim Burton cuando realizó su adaptación de Sweeney Todd. Aunque parezca una tontería hay que avisarlo, porque el público general, si no se les informa de manera correcta pueden pensarse otra cosa (como por ejemplo los que la pasada temporada descubrieron que The artist era muda) cosa que la publicidad prevía que he visto de nuevo ignora.

Una vez mencionado esto hay que decir que no tenía yo en mente la historia de Los Miserables (al menos por lo visto en la versión del 98) cosa que varió a medida que avanzaba el relato y me fuí recordando de la misma, la cual me gustó bastante en su esquema básico de héroe perseguido por la justicia pero siendo en el fondo honrado (en esencia, y con sus variantes, lo mismo que la película El fugitivo, de la que siempre he sido rendido fan y defensor). Me imagino, tanto en esta como en todas las anteriores, la síntesis lógica que ha debido de tener una obra que en origen tiene más de un millar de páginas, pero si a ello sumamos en este caso el tema musical, entiendo que para muchos ha de resultar cansino el seguir una historia de más de dos horas y media de metraje en la que los diálogos son breves islas dentro de un oceano cantarín de principio a fin.

Aclarados los puntos previos hay que decir que el reparto lo hace realmente muy bien, destacando un Hugh Jackman que demuestra sus grandes dotes de artista para todo lo que le echen, sin desmerecer a una Anne Hathaway que transmite todo el desgarro emocional de su personaje. No me olvido de Amanda Seyfried (que ya demostró su dulce tono musical en Mamma Mia) ni la pareja formada por Sacha Baron Cohen y Helena Bonham Carter (ambos ya coincidieron en la musical versión que hizo Tim Burton de Sweeney Todd) pero la sorpresa me la he llevado con un Russell Crowe que aunque sin duda es el más flojo de todos (supongo que por la nula experiencia previa) no me desentona en su papel, que se esfuerza en llevar de la mejor manera posible.

¿Cual es entonces el problema que tiene esta nueva versión de Los Miserables? El mismo que padece una gran parte del cine actual: la dilatación temporal excesiva. Es cierto que una obra cumbre como es la de Victor Hugo daría quizás para una película tan larga como Lo que el viento se llevó, pero al estar aqui centrada en su versión musical hay demasiados momentos en que las canciones que tendrían que servir para hacer avanzar la historia no hacen otra cosa nada más que recalcarte lo que ya estas viendo en unos excesivos primeros planos. Si el inicio con Anne Hathaway funciona a las mil maravillas es porque en apenas 40 minutos nos muestra al personaje, nos lo describe y cumple su función, sin alargar la acción; lo cual resulta más evidente al ver la falta de ritmo que tiene la película desde ese punto hasta el final, resultando en algunos momentos cansina (lo que demuestra que lo que funciona en teatro no tiene porque funcionar igual en cine)

Con un estreno navideño tanto por estas tierras como en Estados Unidos está clara la ambición hacía los próximos Oscars que tiene este film a cargo de un director (Tom Hooper) ya premiado por El discurso del rey, por lo que uno no tiene queja de los decorados, vestuario y ambientación general de la obra, los cuales no me extrañaría que fueron nominados (y puede que incluso premiados) Pero lo malo de una película como Los miserables es que con los medios que tiene, el resultado no pase más allá de la simple corrección, lo que decepciona a aquellos que quizás esperen la adaptación definitiva (o el musical definitivo) cosa que desde luego esto no es debido en parte a la grandilocuencia con la que el director nos ofrece algo que sólo él cree que roza la excelencia (y que no es así)

LO MEJOR: El reparto en general, con menciones especiales a un polivalente Hugh Jackman y a una Anne Hathaway que tendría que tener nominación a la mejor secundaria si estamos en un mundo justo. Tambien, como no, todo el apartado técnico relacionado con la adaptación (decorados, vestuario, etc.)

LO PEOR: El director peca de grandilocuencia queriéndonos meter como excelente algo que no lo es (sin desmerecer para nada el correcto resultado final)

EL MOMENTO: La canción I dreamed a dream a cargo de Anne Hathaway. Ahi la película si consigue la excelencia que pretende.

ROBIN HOOD (2010) de RIDLEY SCOTT

FICHA TÉCNICA

Título: Robin Hood
Título original: Robin Hood
Dirección: Ridley Scott
País: Reino Unido, Estados Unidos
Año: 2010
Fecha de estreno: 14/05/2010
Duración: 148 min.
Género: Drama, Acción
Calificación: No recomendada para menores de 7 años
Reparto: Russell Crowe, Cate Blanchett, Kevin Durand, Matthew Macfadyen, Mark Strong, William Hurt, Danny Huston, Scott Grimes, Eileen Atkins, Léa Seydoux
Guión: Tom Stoppard, Brian Helgeland, Ethan Reiff, Cyrus Voris
Distribuidora: Universal Pictures
Productora: Universal Pictures, Scott Free Productions, Imagine Entertainment

SINOPSIS

Robin Hood (Russell Crowe) es un arquero que combate a las tropas francesas al servicio de Ricardo Corazón de León, hasta que el rey muere. Entonces Robin se traslada a Nottingham, una ciudad dirigida por un señor feudal que gana dinero a costa de sus habitantes. Enamorado de Lady Marian (Cate Blanchett), Robin y sus hombres acosarán a los funcionarios de la Corona para que los vecinos de Nottingham tengan un poco más de libertad.

CRÍTICA

Basta con echar un vistazo a la cartelera para darse cuenta de que la imaginación es algo que lleva muerto mucho tiempo en Hollywood, y es que si ahora mismo tuviera que citar alguna película que no fuera un remake, secuela, precuela o adaptación de libro o comic (o serie de televisión)... os aseguro que no me viene ningún título reciente a la mente. Por eso que una película como Robin Hood, basada además en uno de los personajes más adaptados en pantalla, poca sorpresa podía aportar hacia un mito que se ha mostrado desde todos los puntos de vista (Sean Connery hizo su versión crepúscular, Disney la animada, Errol Flynn la clásica o Kevin Costner una de las más recientes... y eso por citar sólo unos ejemplos)

A todo eso hay que sumar la problemática que tuvo el film (conocido antes como Nottingham), que en un principio iba a mostrar al protagonista como el villano (y al sheriff como el héroe), guión que en versiones posteriores derivó incluso en triángulo amoroso entre ambos personajes y Lady Marian. Y cuando ya se concretó que Russell Crowe sería el protagonista y Ridley Scott estaría tras las cámaras (unido además a cuando empezaron a surgir las primeras imágenes del rodaje) lo que se rumoreó era un enfoque tipo Gladiator del mítico arquero de Sherwood (no en vano coinciden mismo director y protagonista...) Pero al final lo único que vale es saber si la película merece la pena o no...

¿La recomendaría? Si, se trata de un film de aventuras donde nos cuentan el origen del personaje, siendo (por lo tanto, y ahi radica la novedad) una precuela de la clásica historia tantas veces narrada en pantalla. Pero ¿es una BUENA película? No, desde mi punto de vista la dejaría sólo en entretenida. Y es que una historia tantas veces narrada a estas alturas solo puede sorprender si haces una reimaginación del personaje como la que ejecutó Guy Ritchie con su reciente versión de Sherlock Holmes. Con esto tampoco quiero decir que la película se haga pesada (pese a sus casi dos horas y media de duración) pero en ello ayuda más la labor de Scott como director y de los actores protagonistas que no una historia que pese a la sorpresa inicial (ya que acaba donde otras comienzan) circula por terrenos conocidos en donde se ve venir lo que sucederá a bastante distancia.

Pese a la obviedad de (por ejemplo) la relación de los personajes de Crowe y Blanchett (con momentos de tensión sexual no resuelta que todos ya sabemos como acabará) no negaré la manera clásica que tiene Scott de rodar, consiguiendo superar al intento de aventura mediaval que fue su anterior (y soporífera) El Reino de los Cielos. Y compararla con Gladiator tampoco es muy descabellado, ya que el Crowe de ambos films parece cortado por el mismo patrón, sólo que en diferentes épocas. Asimismo el guión no se le puede tildar de aburrido, aunque el saber como acabará el tema lo transforma en previsible (a lo que sumaría ciertas licencias históricas que me parecen muy cuestionables, porque el Ricardo Corazón de León aqui presentado difiere bastante del visto en tantas y tantas versiones previas)

En resumidas cuentas, sin deslucir un resultado global entretenido y que convencerá al público general, pocas novedades sobre una historia archiconocida y que aqui se nos cuenta desde sus prolegómenos. Pero personalmente me sigo quedando con la versión de 1991 protagonizada por Kevin Costner, Morgan Freeman y Alan Rickman.

LO MEJOR: La labor de Ridley Scott como director y de la pareja protagonista (Russell Crowe y Cate Blanchett), además de secundarios como William Hurt, Mark Strong o Max Von Sydow.

LO PEOR: ¿Entretiene? Si, ¿sorprende? Al principio un poco, pero al final no. Y es que a estas alturas uno ha visto al personaje de tantas formas...

Reseña de JOKER y entrevista a RUSSELL CROWE por ROBIN HOOD

FICHA TÉCNICA

Tomo 17x26cms, tapa dura, 128 páginas a color
Idioma: Español
Guión: Brian Azzarello
Dibujo: Lee Bermejo
Entintado: Mick Gray
Color: Patricia Mulvihill
Incluye: Joker

SINOPSIS

Brian Azzarello (100 Balas) y Lee Bermejo (Hellblazer) presentan un enfoque innovador y atrevido para el príncipe payaso del crimen por antonomasia: Joker. Los autores de la célebre Lex Luthor: Hombre de Acero regresan al mismo terreno para dar su versión del peor enemigo del Caballero Oscuro en una historia inédita y autoconclusiva que hará estremecer hasta al último lector. Al salir del Asilo Arkham, Joker descubre que su ciudad está dividida entre la mafia y los villanos disfrazados, por lo que recurre al único plan posible: ¡hacerse con todo el pastel! Con apariciones especiales del Pingüino, el Acertijo, Harley Quinn, Killer Croc y Dos Caras, como nunca antes se habían visto!

RESEÑA

Interesante tomo centrado en la figura del famoso payaso del crimen de Gotham City, que algunos califican como un comic heredero directo de un clásico como es La broma asesina (aunque yo tampoco creo que sea para tanto, si bien se queda cerca). En el mismo asistimos a las tropelías del Joker narradas desde el punto de vista de un secuaz suyo, que se convertirá en su acompañante tras irlo a buscar a Arkham, donde algún psiquiatra con pocas luces libera al personaje al considerar que ya no es un peligro para la sociedad.

La historia, contada en un tono violento, seco y realista como nos tienen acostumbrados los comics de la línea Vértigo de DC, nos muestra también cameos y secundarios del universo del murciélago tales como el propio Batman, Harley Quinn, Killer Croc, Acertijo y Dos Caras, pero sin duda alguna el total protagonista de la historia es el Joker, el cual además recuerda en su aspecto la caracterización que hizo del mismo el tristemente fallecido Heath Ledger en El Caballero Oscuro (The Dark Knight)

Con una calidad gráfica notable a cargo de Lee Bermejo, cuyo dibujo realista y oscuro le viene como anillo al dedo al guión de la historia, lo más destacable de la misma sería la visión que a través del narrador (el mencionado secuaz del protagonista) se nos da del Joker como el verdadero psicópata que es, y sin ciertos infantilismos que en ocasiones habían dado la imagen de un villano de chiste. Pero pese a un nivel destacable no la veo yo como una historia que consiga trascendencia en la mitología del Joker (y ya no sólo citaría La broma asesina, sino que el personaje ha tenido presencia en otros títulos emblemáticos a los que este comic intenta infructuosamente llegar) Pero insisto en que, pese a todo, el nivel es bastante destacable y se convierte en una lectura recomendada (al menos por mi parte).

LO MEJOR: Si consideras al Joker la némesis perfecta de Batman, este es uno de los mejores comics protagonizados por el famoso villano.

LO PEOR: Se disfruta... pero se puede hacer bastante breve.

SUPERMAN y SPIDERMAN ante las emergencias, clips de ROBIN HOOD y PESADILLA EN ELM STREET, mezcla de MACGYVER y EL GRAN LEBOWSKI (y ChacaLinks varios)

Las imágenes de Spider-Man en el baño y Superman durmiendo las he visto por SlashFilm y como me han parecido simpáticas por aqui las pongo. Además clips de Robin Hood y Pesadilla en Elm Street (de la que teneis motion poster en Bloody Disgusting) seguida de una divertida mezcla entre El Gran Lebowski y McGyver. A todo ello añado desde Collider unos posters de películas... con diferentes actores que los que las protagonizaron (POR AQUI) y un montón de imágenes en alta resolución del remake de Pesadilla en Elm Street (POR AQUI). Además la Warner informa de varias fechas actualizadas de sus próximos estrenos como Ga'Hoole: la leyenda de los guardianes (22 de octubre del 2010), Los perdedores (The losers)(3 de septiembre del 2010), Hereafter de Clint Eastwood (21 de enero del 2011), El Oso Yogi 3D (4 de febrero del 2011) y Mortadelo y Filemón 3D (16 de diciembre del 2011). Añado clip de Los perdedores y cito las cuatro nuevas imágenes de Origen (Inception) que están en Slash Film.

LA SOMBRA DEL PODER con Russell Crowe y Ben Affleck

FICHA TÉCNICA

Título: La sombra del poder
Título original: State of Play
Dirección: Kevin Macdonald
País: Estados Unidos, Reino Unido
Año: 2009
Duración: 132 min.
Género: Thriller
Calificación: No recomendada para menores de 18 años
Reparto: Rachel McAdams, Ben Affleck, Russell Crowe, Viola Davis, Jason Bateman, Robin Wright Penn, Helen Mirren, Jeff Daniels, David Harbour, Wendy Makkena, Maria Thayer, Harry Lennix, Brianna Womick, Rob Benedict, Bonita Friedericy, Katy Mixon, Christopher Thornton, Zoe Lister Jones
Guión: Tony Gilroy, Matthew Michael Carnahan, Billy Ray, Paul Abbot
Distribuidora: Universal International Pictures
Productora: Universal Pictures, Working Title Films, Studio Canal, Relativity Media, Andell Entertainment, Bevan-Fellner
Cásting: Justine Wright
Decorados: Cheryl Carasik
Dirección artística: Adam Stockhausen, Richard L. Johnson
Diseño de Producción: Mark Friedberg
Fotografía: Rodrigo Prieto
Montaje: Justine Wright
Música: Alex Heffes
Productor: Andrew Hauptman, Eric Fellner, Eric Hayes, Tim Bevan
Productor ejecutivo: Debra Hayward, E. Bennett Walsh, Liza Chasin, Paul Abbott
Vestuario: Jacqueline West

SINOPSIS

Russell Crowe es Cal McCaffrey, un periodista de Washington DC, cuyo olfato le lleva a desenmarañar los misteriosos asesinatos de algunas de las figuras más prometedoras de la política y de la gran empresa.

El apuesto e imperturbable congresista Stephen Collins (Ben Affleck) representa el futuro de su partido: debido a su honradez, ha sido elegido presidente del comité que supervisa los gastos de Defensa. Todos esperan que esta estrella en auge represente a su partido en la próxima carrera hacia la presidencia. Hasta que alguien asesina brutalmente a su ayudante/amante y los secretos se escapan de su escondite.

McCaffrey tiene la dudosa fortuna de ser un viejo amigo de Collins y de que su jefa (Helen Mirren) sea totalmente despiadada y le mande a investigar el caso. Mientras sigue la pista del asesino con la ayuda de su compañera Della (Rachel McAdams), descubre una tapadera que amenaza con hacer temblar las estructuras del poder de la nación.

En una ciudad de relaciones públicas, asesores y ricos políticos, aprenderá una verdad innegable: cuando miles de millones están en juego, la integridad, el amor y la vida de cualquiera están en peligro.

CRÍTICA

El periodismo de investigación está quizás un poco devaluado al nivel del público general, que más bien lo relaciona con el amarillismo en el que ha caido gracias a ciertos subproductos de ciertas cadenas de televisión que venden como supuesto periodismo de investigación lo que no deja de ser una simple y llana búsqueda de morbo... y por lo tanto de audiencia. Este inicio viene a colación porque personalmente tengo que reconocer que hacía tiempo que no veía un film de estas características (o algo minimamente parecido). Y es que La sombra del poder es una historia de periodismo de investigación donde se juntan las nuevas y viejas generaciones (los periodistas de toda la vida o los actuales bloggers) para demostrar que esta manera de realizar reportajes aún es posible hoy en día, como nos muestra el film en una ficción realmente compacta y muy bien conseguida, principalmente debido a la labor de un espléndido reparto tanto en los protagonistas como en los secundarios.

En el apartado de los reporteros de toda la vida tenemos a un Russell Crowe que está simplemente magnífico, siendo sin duda lo mejor de este thriller bastante por encima de la media del género. A su lado Rachel McAdams interpreta a la periodista principiante que se encarga del blog del mismo diario donde trabajan ambos. Entre los dos investigarán una misteriosa trama de corrupción corporativa relacionada con el personaje interpretado por Ben Affleck, quizás uno de los puntos más flojos del film, pese a que el actor ofrece aqui una interpretación por encima de la media a la que nos tiene acostumbrados. Pero eso no es todo porque entre los secundarios cabría destacar la presencia de Jason Bateman (visto en Juno) así como de Robin Wright Penn, Helen Mirren y Jeff Daniels, todos ellos realmente destacables en sus respectivos personajes.

Pero de todas maneras un magnífico reparto no tiene porque dar como resultado una buena película necesariamente (como ya he comprobado en otras ocasiones en las que unos actores llamativos me hacian esperar quizás algo que luego no encontraba). Afortundamente dicha condición aqui no se cumple, porque el argumento mantiene durante todo momento un ritmo y una calidad que me hizo preguntarme como esta película no se estrenó unos meses antes (o porque no se retrasó un poco más su estreno) porque tanto a nivel argumental como actoral se convierte en el film perfecto para recibir nominaciones a los Oscars o a los premios que sean.

De todas maneras si se le puede achacar una cierta previsibilidad, en el sentido de que en este tipo de películas generalmente (lo comento a nivel personal) el "villano" (si es que se le puede denominar así) siempre suele acabar siendo alguno de los rostros conocidos del reparto, y al comenzar el film uno ya se supone quien (sospecha confirmada al final) pese a que desde luego los motivos y causas no me esperaba yo que fueran las que son. Asimismo la relativamente excesiva duración puede repercutir en no dar un resultado tan redondo como hubiera sido de esperar teniendo en cuenta el ritmo que el film consigue durante gran parte de su metraje, así como lo bien desarrollada que está la historia en líneas generales (hay detalles que quizás "chirrian" un poco como la relación entre los personajes de Crowe y Affleck, porque no parece muy creible que sean de la misma edad como para conocerse de la época universitaria como citan en cierto momento). Pese a estos detalles quizás un poco accesorios o secundarios y que quizás son más bien una sensación personal, eso no quita el resultado global de una película destacable, compacta, bien interpretada y que da lo que promete, sin más ni menos.

LO MEJOR: El guión (realmente muy conseguido), la historia (entretenida dentro del género de thriller en el que está englobada) y los actores (algunos realmente destacables como Russell Crowe e incluso bastante correctos otros como Ben Affleck que no es mucho del agrado de todos los públicos).

LO PEOR: Cierta previsibilidad en el sentido de figurarse uno quien es el malo (si bien sus motivos no quedan claros hasta el final) así como cierta relativa dilatación temporal que repercute en que el resultado final no sea tan redondo como podía haber llegado a ser (siendo, pese a todo, un thriller bastante mejor que la media).